"Pasión en las gradas" muestra fotográfica en Espai Cultural de Caja Madrid. Barcelona

Fervor futbolero

Con el sugerente título "Pasión en las gradas", la muestra fotográfica que puede verse en el barcelonés Espai Cultural de Caja Madrid hasta finales de abril pone de relieve las más antagónicas pasiones que el fútbol es capaz de despertar en el ser humano. Acompañadas de vídeos y objetos, las imágenes nos hacen rememorar tanto los momentos más gloriosos como los más funestos del que para muchos es el deporte rey.

Barcelona. Ivan Sánchez.- "Pasión en las gradas", dice el título de esta exposición. "Tanto dentro como fuera del estadio", nos atrevemos a añadir nosotros a tenor de lo que puede verse en ella. Y es que la muestra, que ya ha triunfado en Alemania y Suiza y podrá verse en la ciudad condal hasta el 20 de abril, es un estupendo compendio de todo aquello que envuelve este deporte, más allá de lo que ocurre estrictamente en el césped.

Lejos de ser una colección de las fotografías de prensa más espectaculares, "Pasión en las gradas" desgrana de forma excelente todo lo que el fútbol representa para sus seguidores más acérrimos.

Dividiendo la muestra en seis secciones, sus comisarios - Littmann Kulturprojekte, de Basilea, y PopArt Acción Cultural, de Madrid- han dado con la clave del éxito: la vertiente extradeportiva.

La cara oscura del fútbol

"Violencia" y "Racismo y discriminación" son dos de las secciones que más llaman la atención en la exposición, con fotografías que han dado la vuelta al mundo, respaldadas por unos hechos que tristemente fueron noticia.

Además, se exponen multitud de objetos relacionados con la ideología nazi, que tantas veces se inmiscuye en este deporte.

Podemos ver incluso una motocicleta que fue introducida en el estadio de San Siro de Milán, quemada y arrojada al terreno de juego en uno de tantos episodios macabros que la historia nos depara. No falta tampoco un anuncio realizado por algunos de los futbolistas negros más destacados del panorama internacional en contra del racismo, que sigue asomándose aún en pleno siglo XXI.

"Prevención" es otro de los apartado s que conforman la exposición. Las imágenes que integran esta sección están dedicadas a la actuación de las fuerzas del orden.

Lo mejor del fútbol

No obstante, no todas las pasiones humanas acaban en un drama de dimensiones shakespearianas. El fútbol también es capaz de desplegar la euforia, la alegría, la emoción y la tristeza en toda su envergadura. "Palabras", "Fascinación" y "Masas" son los tres apartados que cubren la vertiente más amigable del fútbol.

Muchos fotoperiodistas han encontrado en las gradas de los estadios de fútbol imágenes que sería muy difícil tomar en otras situaciones. La alegría y la desolación se dan la mano en cada final, personificadas en el campeón y el derrotado. Y estos profesionales han inmortalizado estas pasiones en hinchas y futbolistas por igual.

La prensa tiene mucho que decir en este deporte, y a ella se le dedica un gran mural confeccionado con portadas -más o menos recientes- de los principales rotativos deportivos de España.

La pasión sobrepasa incluso el misterioso umbral de la muerte. Muestra de ello son una urna de cenizas con forma de pelota y un ataúd pintados con los colores amarillo y negro del equipo alemán Borussia Dortmund para que acompañen al más forofo por toda la eternidad.

Refiere http://www.quesabesde.com

Revelados 08

Concurso de fotografía on line. Tema 1: "El deporte. Pasión en las gradas; juego limpio ". La práctica de cualquier deporte persigue el ejercicio físico y el desarrollo de habilidades del juego y la socialización. Pero a su vez, de forma peligrosa, se tiende a ensalzar tan solo la necesidad del triunfo a costa de lo que sea. Queremos que, las fotografías hagan referencia a los valores del sano juego competitivo y penalicen los comportamientos no éticos. Hasta el 15 de marzo.

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REVELADOS 07

GANADORES DEL TEMA 2. "AUTORRETRATO".

Primer premio. Antonia Moreno Moreno.
"Autorretratos: herecia genética"

Accésit.  Natalia Casado y Víctor Vilardell.
"Ni tú sin mi ni yo sin ti (Platón tenía razón)"

Accésit.  Valentín Jaramillo Arévalo.
"Escenarios de mi vida"

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GANADORES DEL TEMA 1. "PLANETA SANO".

Primer premio. Naiara Briones, por la serie
"¿Somos lo que comemos?"

Accésit.  Ana del Castillo Ibarrola, por la serie
"¿Uso sostenible?"

Accésit. Colectivo Menosmegas, formado por Sole Calzada,
puy San Martín y Nerea Lekuona, por la serie
"Fruturama, la fruta está de moda"

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Revelados 06. Exposiciones virtuales

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Refiere http://www.obrasocialcajamadrid.es

FOTOGRAFÍA EN ARCO8

Vanguardias, grandes maestros y jóvenes promesas conformarán una completa perspectiva del panorama fotográfico actual

La creación fotográfica está ya absolutamente consolidada en el mercado del arte internacional y en las principales colecciones del mundo. Las ventas globales en subastas de esta técnica alcanzaron los 75 millones de euros en 2007, frente a los 65 millones del año anterior. Las cotizaciones globales crecieron un 70% en la última década, una cifra muy destacada frente al 43% que subió la escultura y el 15% de ascenso de la pintura. Y, algo impensable hace una década, ya hay nueve fotógrafos cuyas piezas han superado la mítica cifra de un millón de dólares en las subastas.
En la Feria Internacional de Arte Contemporáneo la fotografía también ha experimentado un auge y una consolidación, hasta ser una de las técnicas más presentes en los stands de ARCO. Desde la fotografía de vanguardia y principios del siglo XX, hasta las creaciones más contemporáneas, la Feria será una excelente oportunidad para recorrer la historia de la fotografía y para encontrarse con algunos de los principales exponentes de esta disciplina artística.

La fotografía de Vanguardia estará presente en ARCO8 de la mano de galerías como 1900*2000, que mostrará excelentes instantáneas de grandes figuras como Dora Maar o Man Ray. También cabe destacar el stand de KICKEN BERLIN, dedicado de forma monográfica a la fotografía, con piezas de Bernd y Hilla Becher y André Kertész, además de un magnífico desnudo a escala real titulado Big Nude XIII, Djingis Khan’s Daughter del artista alemán de origen judío Helmut Newton.

Además, a lo largo de toda la feria, los visitantes encontrarán muestras de más reconocidos fotógrafos contemporáneos como los maestros de la Escuela Alemana, Andreas Gursky, Thomas Ruff, Thomas Struth o Candida Höfer, los brasileños Vik Muniz y Miguel Río Branco, los estadounidenses Nan Goldin, David Armstrong, Spencer Tunick y David LaChapelle o el japonés Nobuyoshi Araki que expondrá en el stand de la sala TAKA ISHII dos fotografías de gran formato de su serie Grand Diary of a photo-maniac, inspiradas en el mundo de las geishas, en su línea de fotografía de alto contenido erótico y provocador.

Así, la Feria Internacional de Arte Contemporáneo mostrará un amplio recorrido a través de la creación fotográfica del siglo XXI, junto con una amplia muestra de los valores más reconocidos del pasado siglo, que sentaron las bases de la práctica artística actual.

Mas información: www.arco.ifema.es

Exposición de Albert Puntí "Fotomuntatge" En el Centre Civic Pati Llimona

El fotógrafo Albert Puntí inauguró el 31 de Enero en el

Centre Civic Pati Llimona
la exposición
"Fotomuntatge"


Se podrá disfrutar hasta el 27 de febrero de 2008.

Centre Civic Pati Llimona
Regomir, 3 Barcelona
932 684 700

Exposición del fotobloguer Carlos Cazurro burgos

El fotobloguer vallisoletano Carlos Cazurro expondrá, a invitación de la Agrupació Fotogràfica de Montcada i Reixac, una serie de 35 fotografías tomadas en los últimos tres años por toda Europa y con las que pretende hacer un resumen de lo que ha sido su fotoblog cazurro.com durante todo este tiempo.

Fecha: Del 1 al 29 de febrero de 2008
Lugar: Centre Cívic Antigues Escoles de Mas Rampinyo, C/ Alt de Sant Pere 73, 08110 Montcada i Reixac (mapa)
Precio: Entrada gratuita

Refiere: Barcelona Photobloggers y Cazurro.com

Fotoperiodismo en Catalunya 1976-2000

En el año 1990, el Colegio de Periodistas de Cataluña y el Ayuntamiento de Barcelona organizaron en el Palau de la Virreina una exposición que recogía la historia del fotoperiodismo en Cataluña desde sus orígenes —que se situaban en un reportaje de Heribert Mariezcurrena en La Ilustración en 1885— hasta las fotografías de las manifestaciones del 1 y del 8 de febrero de 1976.

Diecisiete años más tarde las mismas instituciones organizan en la misma sala otra exposición sobre el fotoperiodismo en Cataluña que abarca los veinticinco años transcurridos entre aquellas manifestaciones y el cambio de siglo. Los acontecimientos políticos y sociales de la Transición y los Juegos Olímpicos son su eje central. En este periodo han cambiado muchas cosas en el mundo de la información gráfica en los periódicos. En 1975 el color se utilizaba sólo para las portadas de rotograbado de las ediciones dominicales y en las páginas interiores los textos se imprimían en tipografía y las imágenes con fotograbado. La calidad de impresión de las pocas fotografías que aparecían en ellos era pésima y su temática quedaba limitada a los deportes, las fotos oficiales, alguna foto internacional facilitada por agencia y poco más. Sólo había uno o dos fotógrafos en cada redacción.

Al entrar en el siglo xxi todos los periódicos se imprimían en ófset y con fotografías en color. La imagen ocupaba un lugar muy importante y los temas más vivos quedaban reflejados fotográficamente en sus páginas. Cada redacción tenía un equipo muy amplio de fotógrafos, organizado jerárquicamente. Los viejos laboratorios de revelado estaban pasando a mejor vida para dar paso a la fotografía digital y al Photoshop. La figura del editor gráfico, tanto tiempo reivindicada, estaba presente en todos los medios. El fotógrafo dejaba de ser un apéndice del periodista de texto —que hasta entonces era quien lo decidía todo— y se convertía en un fotoperiodista con capacidad de decisión y con derechos sobre el producto de su trabajo. Los enviados especiales eran algo habitual y los fotoperiodistas catalanes habían abandonado el provincianismo tradicional para practicar un cosmopolitismo que llegaba a todos los países del mundo y a las zonas más calientes.

Este gran salto cuantitativo y cualitativo es lo que quiere reflejar esta exposición, al mismo tiempo que se ha pretendido ofrecer al público una representación suficiente del fotoperiodismo como trabajo colectivo durante el periodo 1976-2000, más que presentar una suma de individualidades.

Nuevos fotoperiodistas jóvenes se han ido incorporando continuamente a la profesión en los años que llevamos de siglo. Ellos, naturalmente, serán el objeto de la próxima muestra que se organice sobre el fotoperiodismo en Cataluña.

La Virreina

Robert Frank. Diario de un encuentro

A finales de julio de este año y durante tres días, tuve la oportunidad de entrevistar a Robert Frank en su estudio de la calle Bleecker en Nueva York. Ahora que han pasado algunas semanas desde aquel encuentro, puedo medir con alguna exactitud cuál fue el impulso que me llevó a intentar esa entrevista a pesar de las evasivas del fotógrafo para concretar ese encuentro.

La mediación desinteresada de Leila Makarius (curadora, junto a Jorge Cometti, de la muestra que se inaugura hoy en el Museo Fernandez Blanco) fue el disparador.

Pero en verdad la energía que me llevó a sentarme junto a él y empezar a conversar una tarde calurosa de verano, vino de un momento casi perdido en mi juventud: la primera vez que tuve en mis manos un ejemplar de The Americans . Yo no era un fotógrafo formado todavía, aunque ya hacía algún trabajo en periodismo aquí y allá como para ganarme la vida. Ese libro casi no tenía palabras. Solo un prólogo de Jack Kerouac que no pude leer por que no entendía inglés. Ochenta y tres imágenes en blanco y negro, de a una por página dispuestas con extrema sencillez. Nunca había visto fotografías como esas. Eran muy desprolijas en su factura, pero la clara disposición temática comenzando cada capítulo con una bandera de los Estados Unidos formaba un conjunto compacto, elocuente: era el retrato despiadado, entre cínico y tierno al mismo tiempo de la sociedad norteamericana de fines de los años cincuenta.

Varias generaciones de fotógrafos han experimentado la misma sensación que yo tuve hace treinta años, y lo siguen haciendo aún hoy. Mientras tanto, Frank ya había dejado de lado la fotografía y comenzaba un largo camino de experimentación visual atravesado varias veces por la tragedia personal (perdió a sus dos hijos, Andrea en 1974 y Pablo en 1994) que lo convertirían en una leyenda viviente. Un artista que no se reconoce como tal y que elude todo encasillamiento, un outsider que hoy, concluye sabiamente que esa vocación marginal se ha transformado, sobre el final de su vida, en un sentimiento de soledad a pesar de ser aclamado en el mundo entero como uno de los grandes maestros de la fotografía del siglo XX.

Mi temprano encuentro con la obra de Frank, se une en un arco a través del tiempo a este otro, con el hombre ya viejo que vi frente a mi, sentado en una butaca destartalada. La mirada triste y esquiva, su proverbial desaliño personal, la compañía de su querida esposa June Leaf, los recuerdos de toda su vida.

En 1948, luego de sus viajes por Europa y America del Sur, Frank hizo un pequeño libro titulado Black, White and Things. Hizo solo tres ejemplares en ese entonces. El único texto, a modo de epígrafe era la famosa frase de El Principito, de Saint Exupery: “Lo esencial es invisible a los ojos”

Estoy sentado frente a mi pantalla escribiendo estas palabras y recordando lo que nunca olvidaré, los tres emotivos encuentros con Robert Frank. Me doy cuenta que ese hombre ha transitado su vida buscando un imposible: hacer visible lo esencial.

Un antiguo dicho budista dice: “Cuando el alumno está listo, el maestro aparece”. El último gran maestro de la fotografía se hace presente en Buenos Aires y nos dejará ver su esencia en estas imágenes que son el relato de su vida.

Derechos Reservados: Daniel Merle/La Nacion/adnCultura*com

ROBERT FRANK words - Fotomuseum Winterthur / Fotostiftung Scheweiz -

Estuvo exponiendo su obra entre el 23 de agosto al 21 de octubre de 2007 en el Museo de Arte Hispanoamericano Isaac Fernández Blanco Suipacha 1422

Lothar Baumgarten. autofocus retina

Primera exposición retrospectiva del artista alemán (Rheinsberg, 1944) en España. Hijo de antropólogo, Baumgarten convivió algunos años con los indígenas de una tribu de la Amazonia venezolana y ha sido uno de los primeros artistas que, desde finales de los años sesenta, introdujo los hechos de la representación de las culturas minoritarias y su ausencia en el abanico de la representación cultural occidental.

Interesado precisamente en la noción del «otro» y su vehiculación en la historia, sus trabajos utilizan objetos, imágenes y la palabra escrita como materiales fundamentales para incitar a una reflexión sobre las condiciones de intercambio y de tránsito con relación a la geografía y la acumulación de la historia. 

La exposición hará especial hincapié en el trabajo fotográfico del artista, particularmente a través de series como Carbon (1989) o Montaigne (1985), que constituyen verdaderos ensayos visuales y de síntesis en su trabajo. Desde el proyecto realizado sobre la geografía de Estados Unidos a través de dos líneas ferroviarias que atraviesan el país (en el caso de Carbon) hasta las inscripciones visuales en los paisajes de la Amazonia venezolana (en Montaigne, serie que se podrá ver entera por primera vez), las fotografías de Baumgarten —en blanco y negro— son un testimonio de su interés por la iconografía naturalista y de la noción del artista-antropólogo.

Combinadas con elementos textuales y signos, sus obras se convierten en enciclopedias de paisaje en evolución constante.

La exposición presentará en la Capella del Macba la obra Ecce Homo de 2002. Se incluirán asimismo obras emblemáticas relacionadas con las culturas sudamericanas, así como la instalación específica en la fachada del museo de la obra Imago Mundi (1988), que establece una metáfora entre la universalización de la carta de colores de la fotografía y el espíritu de las colonizaciones del siglo XX.

Comisario: Bartomeu Marí
Producción: Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA)

Henri Cartier-Bresson exposición en Girona

Para Henri Cartier-Bresson, fotografiar es «poner la cabeza, el ojo y el corazón en el mismo punto de mira» y, en una fracción de segundo, captar la belleza de la forma y la emoción que el tema desprende.

Así consiguió captar imágenes como las que veremos en esta exposición, una retrospectiva de su trabajo a lo largo de los años trenta, cuarenta, cincuenta y sesenta del siglo XX.

Se trata de un viaje por sus viajes, un recorrido por su manera de mirar y emocionarse ante la imperfecta belleza del mundo. Observaremos su trayectoria, tan extensa que podríamos considerar su trabajo como un reportaje ininterrumpido del siglo XX, un documento visual de la realidad, supeditado a su extraordinaria mirada artística.

Horario
De lunes a sábado, de 10.00 a 14.00 y de 17.00 a 20.00 h
Domingos y festivos, de 11.00 a 14.00 h

Precio
Actividad gratuita

Más información: Obra Social La Caixa

Retrospectiva de Bill Brandt en Houston

Retrospectiva de Bill Brandt en Houston

El Museum of Fine Arts de Houston inauguró una retrospectiva del fotógrafo Bill Brandt bajo el lema Photographs by Bill Brandt: A Sense of Wonder, una exposición que reúne las instantáneas más representativas de su trayectoria con la cámara.

Bill Brandt, el fotógrafo que se caracterizó por los desnudos,  nos acerca un poco más en esta muestra a la amplitud de su talento como lo muestra el retrato social de las consecuencias de la Segunda Guerra Mundial.

Brandt decía que el fotógrafo se distinguía del resto por su capacidad de mirar con intensidad para poder descubrir en lo aparentemente normal un inusitado detalle que trascendiera de lo común y, de este modo, dárselo a conocer al resto y finalmente su obra logra plasmar con una técnica exquisita la amplitud de esta belleza.

Photographs by Bill Brandt: A Sense of Wonder
hasta el 27 de abril
Museum of Fine Arts
1001 Bissonnet Street
Houston, Estados Unidos

Chaplin en imágenes

La obra social de la Caixa dedica una exposición a la obra de Chaplin

Organizada por la Fundació la Caixa y NBC Photographie de Paris, Chaplin en imágenes  supone la primera gran exposición dedicada al actor y director Charlie Chaplin que se lleva a cabo en nuestro país.
La exposición reúne alrededor de 250 documentos, principalmente fotografías, pósters, material documental y extractos de películas, algunos de los cuales son inéditos. A través de imágenes, la muestra narra la historia de Charlie Chaplin desde la creación del personaje de Charlot hasta el final de su carrera.

Chaplin en imágenes nos ayudará a entender la conformación de la personalidad de Charlot, su transformación, su particular expresión corporal y sus inconfundibles complementos (bastón, chaleco, bigote, zapatos y bombín), que acabaron por representar por sí mismos la esencia del personaje. Chaplin fue uno de los primeros artistas en lograr un gran éxito mediático, su cercanía al público le convirtió en un personaje muy querido y en icono del siglo XX. La magnitud de su fama fue tal, que para sorpresa del propio Chaplin los grandes almacenes de  Nueva York se llenaron de juguetes y figuritas que representaban su imagen.

Paralelamente a su faceta como actor, Chaplin fue también aclamado como cineasta. La preocupación de Chaplin por conseguir la perfección en su obra se evidencia en los documentos que muestran los pasos de la elaboración de una escena y ponen de manifiesto la mecánica de un gag o la coreografía de un movimiento.

En el momento álgido de su carrera, Chaplin optó por el compromiso, y a partir de los años treinta sus películas incluyeron regularmente elementos de crítica social. Su posicionamiento político provocó un lento distanciamiento del público de masas. Con la llegada del cine sonoro, en el año 1940, Charlot habló en el que fue su último papel. Y el discurso reprimido durante tanto tiempo se dirigió a toda la humanidad, en forma de mensaje de esperanza y de paz.
Chaplin es, sin duda, uno de los primeros artistas mediáticos de la gran pantalla. En esta exposición asistimos al nacimiento de una estrella, paseamos por su vida y miramos con nostalgia el final de su carrera.

Chaplin en imágenes
Hasta el 27 de abril
CaixaFòrum Barcelona
Marqués de Comillas 6-8
Barcelona

Refiere: nikonistas.com

Pipo Fernández, fotógrafo oficial de los Premios Goya

"La mirada cómplice" de Pipo Fernández se expone tras la entrega de los Goya

Habiendo cubierto el total de las 22 ediciones celebradas, Pipo Fernández puede presumir de ser el fotógrafo oficial de la gala de entrega de los Premios Goya. Moviéndose por entre los múltiples ángulos del espectáculo, ha retratado con una "mirada cómplice" la diversidad de emociones que en él confluyen. Un completo catálogo de vivencias que ahora expone la Academia de Cine.

Madrid. Eduardo Parra.- Una sala de la propia sede de la Academia en la madrileña calle Zurbano acoge desde ayer y hasta el 14 de marzo la muestra fotográfica de Pipo Fernández sobre la ceremonia de entrega de los Premios Goya. Cientos de instantáneas combinadas en diferentes montajes recogen en un total de 40 cuadros un amplio registro de vivencias de los grandes protagonistas del cine.

Abrazos entre bambalinas, lágrimas en el escenario, besos al aire y mucho glamour se entremezclan gracias al trabajo de quien está considerado como uno de los más reputados "foto-fija" de España.

Pipo Fernández ha seguido muy de cerca las 22 ediciones de los Premios Goya.

Fernández ha trabajado en películas como "Camarón", "Mortadelo y Filemón", "Libertarias" o "La Pasión turca", y es el encargado de inmortalizar -en película primero y en píxeles después- la ceremonia de los Goya desde sus comienzos hasta hoy.

Glamour, escotes y buen cine

Penélope Cruz junto a Elsa Pataky se mezclan con Marisa Paredes y Ángeles González Sinde. "La selección de las fotos -comentaba Fernández a QUESABESDE.COM este martes durante la inauguración de la muestra- ha sido cosa mía, basándome en mi gusto personal."

Al pre guntarle acerca del contraste entre el glamour de las actrices y el encorsetamiento de académicos no muy fotogénicos, se defiende: "¿Cómo no voy a poner alguna foto de ellos?"

El ayer analógico y en blanco y negro frente al hoy digital y a todo color. Si algo se saca en claro de la exposición es que el tiempo pasa para todos igual, y que el glamour de una noche es tan efímero como la fotografía que lo inmortaliza.

22 ediciones fotografiadas, "y las que quedan por delante", le sugerimos. Pipo nos mira y exhala un suspiro mientras contempla la exposición: "Lo que es seguro es que yo no me meto en este marrón otra vez."

Refiere: quesabesde.com

Alexandr Rodchenko, el artista bolchevique que revolucionó la fotografía

Padre del constructivismo ruso y figura clave de la vanguardia artística del siglo XX, Alexandr Rodchenko protagoniza una exposición en Londres que muestra las obras con las que revolucionó el diseño gráfico y la fotografía.

Con 120 fotos y fotomontajes, la exhibición de la Hayward Gallery, que se abre mañana y se podrá ver hasta el 27 de abril, recorre más de dos décadas de la vida y obra del prolífico artista, desde su compromiso con la Revolución Rusa (1917) hasta su desengaño bajo el estalinismo.

A principios de los años 20, Rodchenko (1891-1956), hasta entonces pintor y escultor, rechazó el 'arte puro' por un lenguaje visual que sirviera mejor a la sociedad postrevolucionaria, con el que pudiera 'enseñar a la gente a mirar desde otro punto de vista'.

Con el lema 'Basta de representar, tenemos que construir', fundó, junto con otros colegas, el constructivismo, en el que los creadores dejaban de ser artistas para convertirse en meros obreros encargados de acercar el arte a la vida cotidiana de las masas.

Del collage con fotos de revistas y periódicos, entre los que destacan los que realizó para el libro de poemas 'Sobre esto' (1923), de su amigo e intelectual de la revolución Vladimir Mayakovsky, pasó a la fotografía y el fotomontaje, con los que creó obras icónicas de influencia mundial.

Uno de sus trabajos más reproducidos en publicidad y diseño gráfico es 'Books', un cartel que compuso para la editorial Gosizdat en el que aparece Lili Brik, amante de Mayakovski, gritando 'libros' con la mano junto a la boca en forma de altavoz.

Esa imagen, símbolo de la cultura revolucionaria, aparece por ejemplo, a años luz de su contexto político, en la cubierta del segundo álbum del grupo británico Franz Ferdinand, que se asocia así con un aura abstracta de rebeldía.

En fotografía, Rodchenko lo fotografió todo, desde edificios o cadenas de montaje industriales hasta las actividades de los jóvenes pioneros (los 'Boy Scouts' revolucionarios), con objetivos y ángulos inéditos en la época, como dinámicas diagonales o picados y contrapicados.

'Congregándose para una manifestación' (1928), tomada desde lo alto de un edificio, sorprende aún por lo moderno del punto de vista, que en la época fue toda una revelación.

'La chica con la Leica' (1934) o 'Escaleras' (1929) son también imágenes clave para la historia de la fotografía, e incluso sus trabajos posteriores de desfiles y actividades deportivas de la época estalinista son ejemplos de su maestría con la cámara.

Con la muerte de Lenin en 1924 y el ascenso de Stalin, la suerte de Rodchenko, hasta entonces líder cultural del comunismo, empezó a cambiar.

En 1931 fue expulsado del círculo de artistas Octubre entre acusaciones de 'formalismo' de sus colegas, más adaptados a las nuevas directrices del régimen estalinista, que, como dijo a EFE la comisaría de la exposición londinense, Olga Sviblova, buscaba ahora menos innovación y más estabilidad.

El dinamismo, osadía y mensaje utópico de la fotografía de Rodchenko comenzó a desentonar con el realismo social promovido por el Gobierno de la Unión Soviética, y el fotógrafo, que en esa época no podía trabajar por su cuenta, progresivamente dejó de recibir encargos.

La marginación por parte del régimen -para el que, sin embargo, produjo obras excelentes- coincidió con su desilusión por el rumbo que había tomado la revolución que él había ayudado a construir, y al final de su carrera llegó a plantearse que tal vez arte y política debían separarse.

'El arte está al servicio del pueblo, pero el pueblo está siendo guiado quién sabe adónde. Quiero llevar a la gente hasta el arte, no utilizar el arte para llevarlos a otra parte', escribe en su diario, y se pregunta: '¿Es que nací demasiado pronto o demasiado tarde?'.

Refiere: - Terra Acturalidada EFE