Actualidad en Fotografía - Retoque fotográfico - Photoshop - Cámaras

Canon presenta sus productos para la temporada de otoño

2008-09-23T11:54:00.002+02:00

Por Alberto Payo [22-09-2008]

Con el fín de las vacaciones y la llegada de la nueva temporada muchas marcas se aventuran a presentar su renovada gama de productos. Una de las más importantes en cuanto a imagen se refiere hizo lo propio el viernes, introduciendo a los medios su catálogo para el próximo semestre. En total, son 46 los productos que se lanzan al mercado, entre los que se encuentran cámaras compactas y réflex , objetivos, videocámaras, impresoras y escáneres.

De la mano del director de Marketing del área de consumo, Julián García, se hizo un repaso a las novedades más destacadas, subrayando los dos nuevos modelos de réflex (EOS 5D Mark II y EOS 50D) con un sensor CMOS mejorado y, en el caso de la primera, posibilidad de grabar vídeo Full HD.

Igualmente, se hizo un inciso especial en los nuevos dispositivos compactos, un total de 9, que han adaptado su diseño a la tendencia creciente de la utilidad individualista más que familiar de estos artículos. Así, dentro de la serie Power Shot tenemos incluso algún modelo que busca ganarse la atención del público femenino con sus colores y funcionalidades.

Para la presentación de esta nueva temporada de otoño Canon ha establecido una interesante relación entre el mundo de la comida y el de la fotografía, ambos ligados por el cocinero Andrés Madrigal, también antiguo estudiante de la escuela EFTI. Así, el chef ha elaborado una serie de platos inspirados en algunos modelos representativos del nuevo catálogo, realizando una serie de instantáneas con luz natural que mezclan éstos con sus creaciones culinarias.

Y es que según la empresa y el propio Madrigal la cocina y la fotografía comparten algo: el proceso de creación. “Los dos campos son muy parecidos. Es cuestión de trabajar, utilizar los medios de que disponemos y usar nuestra creatividad para obtener un producto final atractivo”.

Patrocinios: Cirugia estetica - Cirugía de la nariz. Rinoplastia- Aumento de pómulos - Cirugía del Abdomen. Dermolipectomía - fotoblog

Canon 50D

2008-09-02T12:10:00.001+02:00

(VIA xataka.com) La cámara de fotos DSLR Canon 50D, que viene a sustituir a la Canon 40D, sube sus especificaciones para situarse como una más que aceptable cámara de fotos réflex digital de iniciación o para fotógrafos que quieren un poco más de su cámara.

La Canon 50D lleva un sensor CMOS APS-C de 15 megapíxeles, muy alto en megapíxeles, bien resguardado en un cuerpo más resistente y perfectamente sellado contra la suciedad y el polvo. En el caso de que alguna mota de polvo quede en el sensor (cosa que puede pasar sobre todo cuando cambiamos de objetivo), esta cámara viene equipada con un sistema de limpieza automático.

Para mover toda la información con la que trabaja esta cámara de fotos es necesario un buen procesador. La Canon EOS 50D incorpora el potente DiGIC de cuarta generación, que entre otras cosas, hace que podamos escoger al tomar una foto sensibilidades de entre 100 y 12.800 ISO. El rango real de sensibilidad es de 100 a 3200, pero podemos escoger dos modos forzados de 6400 y 12800 ISO. Estas altas sensibilidades en combinación con el sensor de tantos megapíxeles reduce el ruido introducido en las fotos cuando usamos valores altos de sensibilidad, básico para poder jugar con otros parámetros de la cámara.

Para los que gustan de hacer largas ráfagas de fotos, importante en foto de naturaleza y deportiva, esta cámara es capaz de tomar hasta 6.3 fotos por segundo, con un máximo de 16 fotos en formato RAW y más, hasta 60, si optamos solamente por tomar las instantáneas en JPEG.

La pantalla es de 3 pulgadas, con resolución de 920.000 píxeles, que le da una calidad impresionante, unas cuatro veces más que el modelo el que sustituye. Incorpora la cámara demás la tecnología Live View con sistema de enfoque por contraste y sistema de detección facial, para poder componer y enfocar directamente desde la pantalla, algo que agradecen los consumidores que viene del mundo compacto y cuando tomamos fotos en situaciones complejas o en las que la cámara no puede estar delante del ojo.

Para ver las fotos directamente en un televisor a máxima calidad se incorpora una salida HDMI.

Por último, la grabación en formato RAW, una de las ventajas de este tipo de cámara, se complementa con los reducidos sRAW1 y sRAW2, que almacenan la imagen pura con las mismas opciones de edición posterior que el RAW completo, pero con la mitad de espacio en tarjeta que el original.

El precio del cuerpo de la Canon 50D será unos 900-1.000 euros al cambio, toda una tentación para el que quiera dar el salto a este tipo de réflex digitales.

CANON

Patrocinios: Cirugia estetica - Cirugía de la nariz. Rinoplastia- Aumento de pómulos - Cirugía del Abdomen. Dermolipectomía

Canon EOS 1000D

2008-06-19T10:09:00.001+02:00

Ya hay datos oficiales, por fin, del nuevo modelo de cámara réflex digital de Canon, destinado al mercado de mayor empuje: el aficionado avanzado. La Canon EOS 1000D ya es oficial.

Como hemos dicho, el modelo Canon EOS 1000D va destinado a aquellos que quieren iniciarse en esto de la fotografía digital réflex, y hacerlo además con un modelo que les de prestaciones de sobra. Así, el sensor de esta Canon 1000D es de 10.1 megapíxeles, tiene sistema de autolimpieza del sensor y siete puntos de enfoque.

La pantalla, de 2.5 pulgadas, viene con el sistema Live View que tanto echan de menos los aficionados que se pasan del mundo de las compactas al de las réflex.

La Canon 1000D llega con el procesador de imagen DIGIC III, que nos permite por ejemplo tomar hasta 3 fotos por segundo en modo continuo. Otro punto a favor de esta cámara es que podemos usar tarjetas de memoria SD y SDHC, que siempre es una buena noticia.

El tamaño de la cámara es reducido, y bastante ligera, unos 450 gramos, con lo que no podemos temer por incomodidades debido a estos factores.

La Canon EOS 1000D sale a la venta en julio por 750 euros con el habitual objetivo EF-S 18-55 IS.

refiere Xatakafoto

Patrocinios: Cirugía de la nariz. Rinoplastia- Cirugía de Párpados Blefaroplastia- Cirugía de las orejas. Otoplastia-Mentón y pómulos- Liposucción cara cuello-Clínica CirugíaEstética

Canon ultima otro firmware para mejorar el autofoco de la EOS-1D Mark III

2008-04-28T11:57:00.001+02:00

Los archiconocidos problemas de enfoque de la EOS-1D Mark III podrían quedar finalmente resueltos en menos de una semana. Según ha podido saber QUESABESDE.COM, será el próximo día 30 cuando Canon lance una nueva actualización de firmware para resolver definitivamente los fallos del autofoco de esta réflex y dotarla de nuevas prestaciones.

Redacción.- Habrá que esperar todavía unos días para que se produzca la confirmación oficial, pero diversas fuentes del sector ya han adelantado a QUESABESDE.COM que la EOS-1D Mark III está a punto de recibir una nueva actualización de firmware.

Pese a que por ahora no existen datos muy concretos sobre este proceso, la futurible versión pretende convertirse en la solución definitiva para los problemas que aún arrastran algunos cuerpos con el enfoque automático de seguimiento.

Los primeros indicios de esta segunda reparación de la cámara -que afectará únicamente al firmware y no requerirá el paso por el servicio técnico- se remontan a principios de año.

Tras la feria PMA, algunos medios barajaron la posibilidad de que Canon hubiera descubierto definitivamente el origen de los problemas de la EOS-1D Mark III y se hicieron eco de su intención de introducir estas mejoras con una nueva versión de firmware.

Los nuevos datos a los que ha tenido acceso este medio, y que circulan desde hace días entre los círculos profesionales, llegan precisamente la semana en la que muchos daban por hecho que Canon renovaría su ya veterana EOS 5D. Un anuncio que, al menos por ahora, no se ha producido.

Nuevas funciones

Esta versión supondría la segunda renovación de firmware que la firma propone para su SLR más veloz, y lo que es más importante, promete aportar mejoras considerables en lo que respecta al enfoque automático.

Y es que, según parece, pese a que muchas unidades de la cámara han pasado por el servicio técnico para reparar el subespejo, el rendimiento del enfoque de seguimiento sigue sin ser óptimo en algunas circunstancias.

Más allá de las mejoras del autofoco, la nueva versión también podría aportar nuevas funciones y posibilidades de configuración de la cámara. En este sentido, la posibilidad de controlar los ajustes del flash desde el cuerpo o personalizar las funciones de algunos mandos se cuentan entre las novedades previstas.

Vía: quesabesde.com

Patrocinios

Reparación de servomotores Brushless - SALMAR Motors - Reparación urgente de motores - Reparación de motores Terrassa Barcelona - Cirugía estética

Olympus anuncia programa de reparación para las Zuiko DIGITAL ED 12-60mm 1:2.8-4.0 SWD Defectuosas

2008-03-28T11:22:00.001+01:00

COMUNICADO DE OLYMPUS
Información importante del: ZUIKO DIGITAL ED 12-60mm 1:2.8-4.0

Como parte integral de nuestro negocio, Olympus le garantiza recibir el mejor servicio y apoyo para su compra en todo momento. Valoramos a cada cliente y nos esforzamos para corresponder la confianza que ha depositado en nosotros.
Para asegurar que quede totalmente satifecho con su compra, Olympus Imaging Europa GmbH publica esta información que puede afectar a un pequeño número de propietarios del objetivo ZUIKO DIGITAL ED 12-60mm 1:2.8-4.0 SWD. Aunque el enfoque manual de todos los objetivos funciona perfectamente, en algunos objetivos el autoenfoque puede ser que no funcione como se esperaba. Esto se debe a un error en el proceso de fabricación del motor de autoenfoque.

El potencial problema sólo afecta a los objetivos ZUIKO DIGITAL ED 12-60mm 1:2.8-4.0 SWD con números de serie entre el 230005416 y el 230010688. Aquí puede buscar el número de serie:

Le recomendamos que compruebe si su objetivo está entre los posiblemente afectados para garantizar que continúa proporcionando un funcionamiento del 100%. Por supuesto, Olympus ofrece de manera gratuita la inspección y el servicio de reparación correspondiente.
Si su objetivo está entre los posiblemente afectados, por favor contacte directamente con el siguiente Servicio Técnico de Olympus y envíe el producto a:

Olympus España, S.A.U.
Doménico Scarlatti, 11,
28003 Madrid
Teléfono 902 747 979
E-mail st-consumo@olympus.es

Su objetivo será inspeccionado y reparado en un período máximo de dos semanas después de ser recibido.

Olympus pide sinceras disculpas por las molestias que esto pueda ocasionarle y le agradece su colaboración.
Reciba un cordial saludo de Olympus España S.A.U.

Patrocinios: cursos ingles - cursos de ingles - ingles on-line - curso de inglés - curso ingles - clases de ingles - aprender ingles - anglais facile translations spanish - traduction espagnol - cursos de ingles - cursos de ingles - cursos de ingles - cursos de ingles - ingles on-line - traduccion frances - aprender ingles - traduccion ingles - anglais facile - traducciones ingles - traduccion portugues - fotoblog

CONFERENCIA DE JULIO MENAJOVSKY FOTÓGRAFAS El lugar de la mujer en la fotografía documental y de prensa.

2008-03-27T11:39:00.001+01:00

Jueves 27 de Marzo a las 19:30 hs.

Auditorio de la Alianza Francesa.ENTRADA GRATUITA
Una vez completa la capacidad de la sala no se admitirán más espectadores.
Alianza Francesa de Buenos Aires, Av. Córdoba 946, 1º piso

FOTÓGRAFAS
El lugar de la mujer en la fotografía documental
y de prensa

27 de marzo : Primera de dos jornadas a realizarse sobre Mujeres Fotógrafas (la segunda será el 28 de mayo de 2008).

En coincidencia con el mes en que se celebra el Día de la Francofonía y Día de la Mujer en 2008 se detalla la realización de dos jornadas en torno a Mujeres Fotógrafas vinculadas al fotoperiodismo y la fotografía documental. Las actividades previstas incluyen una conferencia, proyecciones multimedia y la participación de destacadas fotógrafas argentinas en paneles abiertos al público.

PROGRAMA

En un primer tramo, a modo de conferencia ilustrada, me abocaré a la producción de mujeres fotógrafas que la historia de este medio reconoce como referenciales en el terreno foto periodística y documental a nivel mundial. No faltarán menciones a Margarth Bourke White, Berenice Abbot, Lissete Model, Dianne Arbus, Martine Frank, Mary Ellen Mark, Jane Evelyn Atwood, Alexandra Boulat, Lizzi Saddin entre otras.
En un segundo tramo el enfoque se concentrará en fotógrafas argentinas en un recorrido que arranca con Grete Stern (que aunque nació en Alemania siempre dijo que se consideraba argentina) y confluye inevitablemente en Adriana Lestido cuyo trabajo mayor y más representativo de su última producción es “Amores difíciles”, realizado a fines de los años noventa, dejando planteado para la siguiente jornada: la joven generación que irrumpió en la última década.

Contaremos para este día con la proyección de “Amores difíciles” (20´) y la autora dialogará con el público con la coordinación de quien suscribe.

Patrocinios: translations spanish - traduction espagnol - cursos de ingles - ingles on-line - traduccion frances - aprender" ingles="ingles">- traduccion ingles - anglais facile - traducciones ingles - traduccion portugues

OTRA COMPACTA ES POSIBLE Sigma DP1: primeras muestras

2008-03-26T18:35:00.001+01:00

Dos años de espera han acrecentado las amplias expectativas despertadas por la DP1 de Sigma. No es para menos: un sensor Foveon X3 de tamaño APS-C embutido en un cuerpo de peculiar diseño y un angular fijo de 28 milímetros conforman la carta de presentación de la compacta más original del momento. Con un precio de 800 euros y un uso exigente, no es la DP1 una compacta para todos los públicos.

Iker Morán.- A falta de poco tiempo para que las primeras unidades de la esperada DP1 salgan a la venta, QUESABESDE.COM ya ha podido pasar unos días con una unidad de producción final. Peculiar en su diseño y original en sus prestaciones, la nueva compacta de Sigma atrae miradas y despierta curiosidad a partes iguales.

No es -y así lo demuestran las pruebas- una cámara asequible para cualquier fotógrafo. Ni por precio (unos 800 euros) ni por nivel de exigencia, ni tampoco por la paciencia que cabe esperar del usuario que apueste por este camino.

Imán de miradas

Aunque después de dos años de espera el diseño de esta cámara no suponga ninguna sorpresa, resulta imposible obviar este capítulo tras haber experimentado durante unos días con ella. Si -como suele decirse- para gustos están los colores, la DP1 causará furor, sorpresa o curiosidad, pero es poco probable que deje indiferente a quien se cruce con ella.

La verdad es que a nosotros nos han encantado sus líneas simplificadas al máximo, su aire retro y sus nulas concesiones a lo que suele ser una compacta. El conjunto formado por el cuerpo y el visor o el flash opcionales (130 y 60 euros adicionales, respectivamente) es realmente digno de una vitrina.

Sin embargo, presenta fallos imperdonables para una cámara de este nivel. El agarre, por ejemplo, es un error de bulto, y nunca mejor dicho. Una empuñadura un poco más acentuada -ahora no es perceptible más que una zona rugosa- evitaría esa sensación de que la cámara se nos va a escurrir de las manos en cualquier momento.

La alternativa de utilizar el barril del aparatoso parasol (15 euros más) para sujetar la cámara con dos manos ofrece mucha mayor comodidad.

La solución sería bastante sencilla: utilizar la rueda de enfoque manual para otras funciones cuando trabajamos con enfoque automático y colocarle de paso algún tipo de seguro o pasos intermedios para que no gire libremente.

Enfoque manual

Como era de esperar, el angular de 28 milímetros y f4 es uno de los actores estrella de la marca, pero también uno de sus puntos débiles. Sin duda, Sigma ha realizado una ardua tarea al ensamblar esta óptica con un sensor APS-C en una cámara compacta. Pero, una vez reconocido el mérito, cabe reseñar que el rendimiento de la óptica no nos convence. No es tan luminosa como cabría esperar por este precio ni dispone de sistema alguno de estabilización. Además, no parece lidiar muy bien con las aberraciones y las luces fantasmas que se cuelan en los contraluces.

Estaríamos dispuestos a pasar por alto estas cuestiones si el enfoque automático fuera realmente eficaz y convirtiera la DP1 en un buen instrumento para tomar fotos sin mirar por la pantalla o el visor y pasar, por tanto, inadvertidos. Pero estas pretensiones chocan con un autofoco menos ágil y silencioso de lo esperado. ¿Qué opción nos queda? Desenterrar los apuntes de fotografía para ver qué era aquello de la hiperfocal o poner a prueba nuestros cálculos de distancia para acertar con el enfoque manual.

¿JPEG? Mejor RAW

Otro clásico de las cámaras dotadas de sensores Foveon X3 se reproduce al pie de la letra en esta DP1. Siguiendo los pasos de su hermana mayor, la SD14, esta compacta permite trabajar tanto en RAW como en JPEG. Ahora bien, que permita hacerlo en este último formato no implica que sea recomendable si se quiere aprovechar todo lo que este peculiar tipo de sensor puede dar de sí.

Así que no es de extrañar que las sensaciones que provocan las primeras muestras obtenidas con la DP1 sean agridulces. De entrada, los resultados con sensibilidades altas -la DP1 era esperada como agua de mayo por muchos profesionales en busca de una compacta capaz de responder a 800 ISO- dejan mucho que desear.

Las capturas directas en JPEG tampoco son para lanzar cohetes en cuanto nos alejamos de unas condiciones de luz óptimas. Falta nitidez, saturación, contraste... y un balance de blancos que a plena luz del día dé un poco más de alegría a las fotos. Todo ello lo compensa el trabajo en RAW. Un rápido procesamiento con el programa Sigma Photo Pro de los archivos X3F obtenidos mantiene la esperanza en esta DP1.

Nos ha sorprendido sobre todo el rango dinámico de la cámara, tanto en las sombras como en las luces. Hasta tal punto que en más de una ocasión -en las muestras de RAW así se percibe- hay que andar con mucho ojo para no cruzar la frontera del HDR (alto rango dinámico).

Exigencia

A falta de una prueba más exhaustiva -queda por ver, por ejemplo, si los resultados con sensibilidades elevadas al trabajar en RAW son más decentes-, la DP1 parece cumplir el guión esperado de una cámara con sensor Foveon X3.

Si esto es una buena o mala noticia, será el usuario quien lo decida a la vista de las imágenes obtenidas. Queda claro, eso sí, que la DP1 no es ni mucho menos una compacta más. Es singular en sus formas y en su estilo. Cuesta más, ofrece más, pero siempre que el fotógrafo también esté dispuesto a dar más de sí y a trabajar con mimo cada imagen.

Via www.quesabesde.com nota

Patrocinios: cursos ingles - cursos de ingles - ingles on-line - curso de inglés - curso ingles - clases de ingles - aprender ingles - anglais facile

"Pasión en las gradas" muestra fotográfica en Espai Cultural de Caja Madrid. Barcelona

2008-02-13T10:11:00.002+01:00

Fervor futbolero

Con el sugerente título "Pasión en las gradas", la muestra fotográfica que puede verse en el barcelonés Espai Cultural de Caja Madrid hasta finales de abril pone de relieve las más antagónicas pasiones que el fútbol es capaz de despertar en el ser humano. Acompañadas de vídeos y objetos, las imágenes nos hacen rememorar tanto los momentos más gloriosos como los más funestos del que para muchos es el deporte rey.

Barcelona. Ivan Sánchez.- "Pasión en las gradas", dice el título de esta exposición. "Tanto dentro como fuera del estadio", nos atrevemos a añadir nosotros a tenor de lo que puede verse en ella. Y es que la muestra, que ya ha triunfado en Alemania y Suiza y podrá verse en la ciudad condal hasta el 20 de abril, es un estupendo compendio de todo aquello que envuelve este deporte, más allá de lo que ocurre estrictamente en el césped.

Lejos de ser una colección de las fotografías de prensa más espectaculares, "Pasión en las gradas" desgrana de forma excelente todo lo que el fútbol representa para sus seguidores más acérrimos.

Dividiendo la muestra en seis secciones, sus comisarios - Littmann Kulturprojekte, de Basilea, y PopArt Acción Cultural, de Madrid- han dado con la clave del éxito: la vertiente extradeportiva.

La cara oscura del fútbol

"Violencia" y "Racismo y discriminación" son dos de las secciones que más llaman la atención en la exposición, con fotografías que han dado la vuelta al mundo, respaldadas por unos hechos que tristemente fueron noticia.

Además, se exponen multitud de objetos relacionados con la ideología nazi, que tantas veces se inmiscuye en este deporte.

Podemos ver incluso una motocicleta que fue introducida en el estadio de San Siro de Milán, quemada y arrojada al terreno de juego en uno de tantos episodios macabros que la historia nos depara. No falta tampoco un anuncio realizado por algunos de los futbolistas negros más destacados del panorama internacional en contra del racismo, que sigue asomándose aún en pleno siglo XXI.

"Prevención" es otro de los apartado s que conforman la exposición. Las imágenes que integran esta sección están dedicadas a la actuación de las fuerzas del orden.

Lo mejor del fútbol

No obstante, no todas las pasiones humanas acaban en un drama de dimensiones shakespearianas. El fútbol también es capaz de desplegar la euforia, la alegría, la emoción y la tristeza en toda su envergadura. "Palabras", "Fascinación" y "Masas" son los tres apartados que cubren la vertiente más amigable del fútbol.

Muchos fotoperiodistas han encontrado en las gradas de los estadios de fútbol imágenes que sería muy difícil tomar en otras situaciones. La alegría y la desolación se dan la mano en cada final, personificadas en el campeón y el derrotado. Y estos profesionales han inmortalizado estas pasiones en hinchas y futbolistas por igual.

La prensa tiene mucho que decir en este deporte, y a ella se le dedica un gran mural confeccionado con portadas -más o menos recientes- de los principales rotativos deportivos de España.

La pasión sobrepasa incluso el misterioso umbral de la muerte. Muestra de ello son una urna de cenizas con forma de pelota y un ataúd pintados con los colores amarillo y negro del equipo alemán Borussia Dortmund para que acompañen al más forofo por toda la eternidad.

Refiere http://www.quesabesde.com

Anillo de luz casero con luces del árbol de navidad

2008-02-13T02:00:00.001+01:00

(xatakafoto.com) Yo, la verdad sea dicha, no soy muy manitas. Mira que era difícil, pero a mi me suspendían siempre en la asignatura de “plástica” en el EGB. Por eso (y porqué no tengo nada de espacio en mi piso) me da una envidia recochinísima cada vez que veo un do it yourself (hazlo tú mismo) tan creativo y sencillo como el que os presentamos hoy.

Se trata de un anillo de luz (hasta aquí nada extraordinario) hecho de luces para el árbol de navidad (concretamente 300 luces). El montaje, según su autor, sale a unos veintipocos dólares (¡una ganga!) y el material utilizado parece simple: las mencionadas luces, una cinta adhesiva metalizada, un pedazo de masonite (que por lo que he podido averiguar se trata de un material construido a partir de fibras de madera y resina, que es bastante resitente) y pegamento (supongo que tipo silicona).

Como podéis ver en la imagen de la cabecera del post, el resultado de la iluminación es bueno, además de añadir un bonito efecto “estrellado” producto de las luces reflejadas en superfícies brillantes y en los ojos.

Una de las desventajas es que no es una iluminación muy potente, con lo que hay que utilizar altas sensibilidades, acercarse al motivo fotografiado y objetivos luminosos y angulares. Pero creo que el resultado vale la pena. Si construyes uno de estos anillos, avísanos, que seguro que nos apetece jugar con éste.

Más información | The DIY Christmas Tree Lights Ringlight | The Portland Strobist Gathering Meets The DIY Christmas Tree Light Ringlight
Fotografías | Matthew G. Monroe

Refiere http://www.xatakafoto.com

Revelados 08

2008-02-12T20:45:00.001+01:00

Concurso de fotografía on line. Tema 1: "El deporte. Pasión en las gradas; juego limpio ". La práctica de cualquier deporte persigue el ejercicio físico y el desarrollo de habilidades del juego y la socialización. Pero a su vez, de forma peligrosa, se tiende a ensalzar tan solo la necesidad del triunfo a costa de lo que sea. Queremos que, las fotografías hagan referencia a los valores del sano juego competitivo y penalicen los comportamientos no éticos. Hasta el 15 de marzo.

Consulta las bases

Accede al formulario

REVELADOS 07

GANADORES DEL TEMA 2. "AUTORRETRATO".

Primer premio. Antonia Moreno Moreno.
"Autorretratos: herecia genética"

Accésit. Natalia Casado y Víctor Vilardell.
"Ni tú sin mi ni yo sin ti (Platón tenía razón)"

Accésit. Valentín Jaramillo Arévalo.
"Escenarios de mi vida"

Visita la exposición virtual del tema 2

GANADORES DEL TEMA 1. "PLANETA SANO".

Primer premio. Naiara Briones, por la serie
"¿Somos lo que comemos?"

Accésit. Ana del Castillo Ibarrola, por la serie
"¿Uso sostenible?"

Accésit. Colectivo Menosmegas, formado por Sole Calzada,
puy San Martín y Nerea Lekuona, por la serie
"Fruturama, la fruta está de moda"

Visita la exposición virtual del tema 1

Consulta las bases de Revelados

Revelados 06. Exposiciones virtuales

Visita la exposición virtual del tema 5

Visita la exposición virtual del tema 4

Visita la exposición virtual del tema 3

Visita la exposición virtual del tema 2

Visita la exposición virtual del tema 1

Refiere http://www.obrasocialcajamadrid.es

Nikon D3: prueba de campo

2008-02-12T10:37:00.001+01:00

(quesabesde)Diez días recorriendo Malí, un fotógrafo y viajero incansable y una Nikon D3. El resultado de esta combinación no es otro que cientos de fotografías y una dura prueba de campo para la Nikon D3 y el conocido 28-70 mm f2.8. Tras un dilatado y complejo proceso de selección de imágenes, esto es lo que la conocida réflex de gama profesional ha dado de sí en pleno corazón de África.

Redacción / Nómada.- Una segunda opinión siempre es buena. Y si viene de la mano de un veterano viajero y fotógrafo que aprovecha una de sus escapadas para probar la Nikon D3 en Malí, el experimento es de obligada lectura.

Tras las primeras pruebas realizadas con la réflex más avanzada de Nikon, Nómada -seudónimo del asiduo colaborador de QUESABESDE.COM- ha sido el encargado de realizar una nueva prueba de campo en Malí.

Ségou, Djenné y su peculiar arquitectura sudanesa de adobe, o Bamako, la capital del país, han sido algunos de los escenarios para comprobar lo que la primera SLR nikonista de formato completo es capaz de dar de sí. Un entorno de gran belleza en el que, no obstante, el fotógrafo tiene que enfrentarse al calor, el viento y la arena.

SESIÓN FOTOGRÁFICA EN MALÍ

Nikon D3: prueba de campo

Diez días recorriendo Malí, un fotógrafo y viajero incansable y una Nikon D3. El resultado de esta combinación no es otro que cientos de fotografías y una dura prueba de campo para la Nikon D3 y el conocido 28-70 mm f2.8. Tras un dilatado y complejo proceso de selección de imágenes, esto es lo que la conocida réflex de gama profesional ha dado de sí en pleno corazón de África.

Nikon D3
Ségou, Djenné y su peculiar arquitectura sudanesa de adobe, o Bamako, la capital del país, han sido algunos de los escenarios para comprobar lo que la primera SLR nikonista de formato completo es capaz de dar de sí. Un entorno de gran belleza en el que, no obstante, el fotógrafo tiene que enfrentarse al calor, el viento y la arena.

Nikon D3
El resultado han sido centenares de imágenes con dos aspectos técnicos en común: todas ellas han sido realizadas con el Nikkor 28-70 mm f2.8 y con el ajuste de nitidez de la cámara elevado, tanto en las tomas hechas en JPEG como en RAW, estas últimas procesadas con Nikon Capture.

Una complicada selección nos ha permitido concentrar esta prueba en casi una veintena de fotografías en la máxima resolución. Más allá de lo que las asépticas pruebas de laboratorio puedan decir, llega el momento de poner en práctica lo que la D3 es capaz de ofrecer.

Más sobre este excelente artículo : quesabesde

Posible nueva reparación para las cámaras Eos-1D Mark III de Canon

2008-02-11T12:20:00.001+01:00

Parece que los problemas con las cámaras EOS-1D Mark III de Canon, no han terminado.

Se viene especulando desde hace algunos días que los problemas con el enfoque continuan, a pesar de las reparaciones que ha realizado Canon y la actualización de firmware.

La empresa aún no ha dado a conocer un reporte oficial sobre esto, así que en lo que esto ocurre, esto solamente un rumor.

Pero aunque sea un rumor, esto puede afectar a la compañia Canon, que recientemente se ha visto superada por su eterno competidor Nikon en cuanto a ventas de cámaras DSLR.

Refiere Quesabesde.com

nueva cámara digital Sigma DP1

2008-02-11T12:16:00.001+01:00

Sigma ha anunciado de forma oficial el lanzamiento de su nueva cámara digital DP1. Se trata de una cámara compacta que ofrece una resolución de hasta 14 megapíxeles gracias a su sensor de imagen Foveon X3. Tiene flash incorporado, zapata para un flash externo, pantalla LCD de 2,5 pulgadas, captura imágenes en formato RAW y además posee una extensa gama de accesorios, como un visor óptico, flash electrónico, etc.

En resumen, podríamos decir que la Sigma DP1 combina la alta resolución, la funcionalidad y la amplitud de accesorios de una cámara réflex digital con la comodidad que supone un cuerpo compacto.

Web oficial | Sigma DP1

Refiere: www.fdlog.com

Fujifilm sigue fiel a la fotografía analógica

2008-02-10T01:57:00.001+01:00

christian/El año pasado ya hablamos de la Klasse W Black, una nueva cámara analógica de Fujifilm. La compañía japonesa ha anunciado ahora otro nuevo modelo de cámara con carrete: la GF670 Folding. De momento es sólo un prototipo, pero no deja de ser interesante que se siga apostando en cierta manera por la fotografía analógica.

En DSLR Magazine tenéis más fotografías y sus especificaciones técnicas:

Tipo de cámara: folding con telémetro acoplado
Tipo de película: rollos 120/220
Formato de toma: 6 x7 cm
Objetivo: 80 mm f/3,5
Obturador: de control electrónico
Tiempos de obturación: 1/500 seg. a 1 segundo y “B”
Sincronización para flash: a todos los tiempos de obturación
Conexión para flash: zapata de contacto central y zócalo para cable
Control de la exposición: prioridad a la abertura y manual

Refiere http://www.fdlog.com y http://www.dslrmagazine.com

Esperando los últimos secretos de Robert Capa

2008-02-10T00:37:00.001+01:00

Encuentran tres mil negativos en una valija que apareció en Ciudad de México. Habría tomas realizadas durante la Guerra Civil española desconocidas hasta ahora

Robert Capa, un hombre osado que retrató los conflictos bélicos del siglo XX. Los negativos encontrados parecen estar en buen estado, pero igual recibirán un tratamiento especial para recuperar la imágenes.

NUEVA YORK (DPA).- Los últimos secretos del legendario fotógrafo de guerra Robert Capa se ocultan en una maleta de México. Para ser más precisos: en tres polvorientas cajas de cartón. Más de 3.000 negativos, en su mayoría probablemente imágenes desconocidas de la Guerra Civil española, dejó el húngaro de nacimiento en 1939 en su huida de los alemanes en París.

Su legado apareció hace poco en Ciudad de México. ¿Qué tesoros visuales hay en la maleta? Las referencias manuscritas "Hemingway" y "Federico García Lorca" pueden hacer presumir algunas cosas.

Capa mismo estuvo convencido hasta su muerte en 1954 de que su obra había sido destruida.

Tal vez el contenido de la maleta, que se encuentra desde diciembre en el museo "International Center of Photography" (ICP) de Nueva York, revele uno de los mayores secretos de Capa: si su famosa foto de la muerte de un soldado en la Guerra Civil española es verdadera o sólo un montaje.

La imagen granulada en blanco y negro muestra al soldado Federico Borrell García con el rifle en la mano, aparentemente alcanzado por una bala, mientras cae hacia atrás por el dolor. Desde los años 70 se cuestiona la autenticidad de la foto, y nunca se halló el negativo.

Probablemente el fotógrafo montó la escena, algo muy usual en aquella época.

Los expertos esperan que la prueba esté en una secuencia de imágenes de la

"maleta mexicana". Incluso podría ser que la foto no sea de Capa, sino de su pareja, la fotógrafa alemana Gerda Taro. Según las referencias manuscritas, también hay trabajos suyos.

Taro murió en 1937 en España, durante un trágico accidente mientras fotografiaba un tanque.

Lamentablemente, los expertos y fanáticos de la fotografía deberán aguantar varias semanas más.

Primero hay que asegurarse de que con el nerviosismo no se perjudique los viejos negativos. "No me gusta ser el que tira del freno, pero este tipo de material fílmico es tratado tradicionalmente con nitrato durante el revelado. Eso significa que con el tiempo los negativos pueden encogerse, volverse quebradizos o perder color", señaló a DPA Grant Romer, director del laboratorio de conservación del George Eastman House en Rochester, Nueva York.

Por eso, antes de que los rollos sean colocados en un escáner, probablemente deberán ser tratados con sustancias de conservación.

Sin embargo, a primera vista los negativos parecen estar en un estado "sorprendentemente bueno", según Romer. "Casualmente la maleta fue guardada en un entorno que no era demasiado frío, ni demasiado caliente ni muy húmedo", según el experto.

Tan misterioso como el contenido de la maleta es la historia de su rescate. Desde el laboratorio parisino donde Capa la dejó llegó por un camino de aventuras a Marsella.

El general y diplomático mexicano Javier Aguilar González la llevó desde allí a Ciudad de México, donde permaneció oculta por medio siglo.

A mediados de los años 90, el ICP escuchó rumores según los cuales el material, que se creía perdido, aún existía. El museo, fundado por el hermano de Capa, Cornell, y que entre otros se dedica al cuidado, exposición y el estudio de su obra, tomó entonces contacto con los herederos del general. Luego de aclararse el tema legal, la maleta pudo llegar a Nueva York, según informó el "New York Times".

La fascinación que genera la maleta tiene que ver también con la historia de vida del fotógrafo. Robert Capa fue un vividor y un hombre osado. Relajado, con el cigarrillo en los labios y la cámara al hombro, siempre estaba en la primera línea.

"Si tus fotos no son lo suficientemente buenas, es porque no estuviste suficientemente cerca", era el lema de quien luego cofundaría la agencia fotográfica "Magnum".

Comenzó su carrera en la Guerra Civil española en los años 30 y estuvo en el desembarco de los aliados en Normandía para las revistas "Life" y "Time". Su trabajo en la guerra de Vietnam lo llevó a la muerte en 1954, cuando por accidente pisó una mina.

Refiere: www.rionegro.com.ar

Expertos trabajan ya en conservación de negativos maleta mexicana de Robert Capa

2008-02-10T00:33:00.001+01:00

El Centro Internacional de Fotografía (ICP) de Nueva York ha empezado ya a trabajar en la conservación de los más de 120 rollos de negativos recién hallados en México, muchos de ellos inéditos, y fruto del trabajo de Robert Capa durante la Guerra Civil española (1936-1939) .

“Estamos trabajando intensamente en la conservación de los negativos. Hemos empezado a escanear algunos de ellos y, lo seguiremos haciendo a medida que los tengamos disponibles” , dijo hoy a Efe el director del ICP, Willis Hartshorn, sobre ese sorprendente hallazgo.

Más de 120 rollos de película fotográfica, que podrían contener unas 3.000 instantáneas, realizadas por Capa (1913-1954) fueron encontradas a finales de enero en México, en lo que se considera como el hallazgo de un verdadero tesoro moderno.
Ese material del legendario Capa, considerado como el primer fotoperiodista contemporáneo y que él mismo había dado por perdido, se analiza ya en la institución neoyorquina, depositaria de buena parte de su archivo y fundada por Cornell Capa, hermano del reportero.

El paso del tiempo puede haber perjudicado el material, ya que los negativos han estado enrollados, se han comprimido y contraído, y se podrían romper, avanzó el experto.

Los negativos perdidos y encontrados en la llamada “maleta mexicana” , que en realidad son tres de cartón duro de la época, y constituyen un material delicado porque son muy inflamables, han realizado un periplo digno de una novela de espionaje de la época de su desaparición.

De París viajaron hasta Marsella y de allí, en 1940, llegaron a las manos del general mexicano Francisco Javier Aguilar González, entonces diplomático en Francia y que antes había luchado en la Revolución Mexicana a las órdenes de Pancho Villa.
“Harán falta muchos años de investigación para que sepamos qué es lo que tenemos entre manos” , dijo Hartshorn, que señaló que después del “momento de descubrimiento, viene la investigación. Al final se hará una exposición que estoy seguro que dará la vuelta al mundo” .

El especialista indicó también que buena parte de los negativos encontrados y examinados ya se publicaron en revistas de la época como Match, Life y Picture Post. Hartshorn consideró que “parte de lo interesante es que algunas de esas fotografías se pueden encontrar en las tres publicaciones” .

“Lo interesante de que estén publicadas en estas revistas es que su trabajo por representar la Guerra Civil española viajó por el mundo entero” , señaló, al tiempo que explicó que “mirando estas revistas y los negativos encontrados, se ve que hay muchas fotografías reproducidas en ellas y de las que no había negativos” .

El responsable del Centro Internacional de Fotografía de Nueva York aventuró que se puede “asegurar que hay muchas fotografías de gran calidad entre estos negativos que nunca se publicaron” .

El descubrimiento “ahondará en cómo evolucionó históricamente el trabajo inicial de Capa. Es el principio de su carrera y vemos lo importante que en ella fue la Guerra Civil. Se puede apreciar ya su estilo” , dijo Hartshorn. Asimismo consideró que los negativos de la “maleta mexicana” demuestran la teoría de Capa de que “si las fotografías no son suficientemente buenas, es que no te has acercado lo suficiente. Eso queda bien ilustrado, porque hasta es patente en cómo tiembla la cámara y lo cerca que está de los soldados” . Capa, nacido en Budapest y que en realidad se llamaba Endre Ernö Friedmann, es considerado uno de los fotógrafos más importantes del siglo XX, y “su acercamiento a la fotografía marcó la evolución del fotoperiodismo” , destacó Hartshorn.

“Lo más llamativo es el sentido de cercanía e intimidad que Capa era capaz de captar. Demostró que (para tomar sus fotos) no iba al día siguiente de la batalla o se quedaba en la retaguardia” , agregó.

Con el descubrimiento también se ha sabido que algunos de los negativos corresponden a fotografías tomadas por Gerda Taro, compañera sentimental de Capa, y por David Seymour, también conocido con el seudónimo de Chim y uno de los fundadores, junto a Capa, Henri Cartier-Bresson y George Rodger, de la agencia de fotografía Magnum.

Capa había huido de Europa en 1939 tras la invasión nazi y creía que era peligroso viajar con imágenes de la guerra civil española.

“Lo fascinante es que dio las fotografías a un amigo, quien, en medio de la vorágine de la guerra, se olvidó de a quien le tenía que dar los negativos, por lo que se las entregó a un cónsul mexicano… Por eso hemos tardamos casi 70 años en encontrarlas” , añadió.

Una de las mejores historias, agregó, que ha surgido tras el hallazgo es “la oportunidad para un octogenario (Xavier Camps) de reconocer su propia fotografía. Estoy seguro de que esto ocurrirá con mucha más gente en España a medida que consigamos más fotografías”.

EFE
Nueva York
Refiere: El Universal

FOTOGRAFÍA EN ARCO8

2008-02-10T00:17:00.001+01:00

Vanguardias, grandes maestros y jóvenes promesas conformarán una completa perspectiva del panorama fotográfico actual

La creación fotográfica está ya absolutamente consolidada en el mercado del arte internacional y en las principales colecciones del mundo. Las ventas globales en subastas de esta técnica alcanzaron los 75 millones de euros en 2007, frente a los 65 millones del año anterior. Las cotizaciones globales crecieron un 70% en la última década, una cifra muy destacada frente al 43% que subió la escultura y el 15% de ascenso de la pintura. Y, algo impensable hace una década, ya hay nueve fotógrafos cuyas piezas han superado la mítica cifra de un millón de dólares en las subastas.
En la Feria Internacional de Arte Contemporáneo la fotografía también ha experimentado un auge y una consolidación, hasta ser una de las técnicas más presentes en los stands de ARCO. Desde la fotografía de vanguardia y principios del siglo XX, hasta las creaciones más contemporáneas, la Feria será una excelente oportunidad para recorrer la historia de la fotografía y para encontrarse con algunos de los principales exponentes de esta disciplina artística.

La fotografía de Vanguardia estará presente en ARCO8 de la mano de galerías como 1900*2000, que mostrará excelentes instantáneas de grandes figuras como Dora Maar o Man Ray. También cabe destacar el stand de KICKEN BERLIN, dedicado de forma monográfica a la fotografía, con piezas de Bernd y Hilla Becher y André Kertész, además de un magnífico desnudo a escala real titulado Big Nude XIII, Djingis Khan’s Daughter del artista alemán de origen judío Helmut Newton.

Además, a lo largo de toda la feria, los visitantes encontrarán muestras de más reconocidos fotógrafos contemporáneos como los maestros de la Escuela Alemana, Andreas Gursky, Thomas Ruff, Thomas Struth o Candida Höfer, los brasileños Vik Muniz y Miguel Río Branco, los estadounidenses Nan Goldin, David Armstrong, Spencer Tunick y David LaChapelle o el japonés Nobuyoshi Araki que expondrá en el stand de la sala TAKA ISHII dos fotografías de gran formato de su serie Grand Diary of a photo-maniac, inspiradas en el mundo de las geishas, en su línea de fotografía de alto contenido erótico y provocador.

Así, la Feria Internacional de Arte Contemporáneo mostrará un amplio recorrido a través de la creación fotográfica del siglo XXI, junto con una amplia muestra de los valores más reconocidos del pasado siglo, que sentaron las bases de la práctica artística actual.

Mas información: www.arco.ifema.es

El sueño de la Leica Full frame

2008-02-09T14:11:00.001+01:00

En la PMA Chris Cheesman y Angela Nicholson de Leica han hablado de la posibilidad de que salga en un periodo no muy largo de tiempo un sensor de tamaño completo (análogo de 35mm) aunque prefieren ser cautélosos en este punto por los problemas iniciales que tuvo la Leica M8.

Lo que no se sabe aún es si será dentro del cuerpo de un una hipotética Leica M9 o como una actualización de la Leica M8, ya que según cuentan quieren que las cámaras sean actualizable de por vida, si ahora cambian cristal de zafiro y obturado por la módica cifra de 1200 €
¿Quién podría extrañarse de que pudieran actualizar el captor?

Refiere Fotomaf y amateurphotographer.co.uk

fotografía HDR

2008-02-09T14:03:00.001+01:00

8 Consejos Clave para hacer Fotos HDR Espectaculares

(dzoom.org.es) Ya te hemos explicado que es una fotografía HDR y que existen programas como Photomatix para trabajar con fotos HDR. También te hemos contado que no todas las fotos quedan igual de bien al pasarlas a HDR. En este artículo te damos algunos buenos consejos a la hora de hacer tus fotografías HDR. ¿Te los vas a perder?

1. Utiliza un trípode.

Para poder combinar una imagen de alto rango dinámico necesitarás varias exposiciones. Lo ideal es hacer varias fotos con el mismo encuadre y distintos parámetros de exposición.

En caso de que dispares en JPEG necesitarás necesariamente usar un trípode, porque de otro modo no podrás juntar las distintas fotos que saques.

Pero en caso de que vayas a hacer HDR a partir de una sola imagen RAW también te vendrá bien, ya que ayudará a que la foto resultante sea lo más nítida posible.

2. En JPEG, usa el disparador remoto.

El problema de disparar con trípode es que cualquier mínimo movimiento puede provocar que la posición del trípode varíe, haceindo que posteriormente no encajen las distintas tomas que hayamos realizado.

Utilizando un disparador remoto con la cámara evitarás que se pueda mover la cámara al pulsar el botón de disparo, echando a perder la fotografía.

Si no dispones de uno, puedes probar a utilizar el temporizador de la cámara.

3. Usa el menor valor ISO posible.

En alguna ocasión hemos explicado el significado de la sensibilidad ISO de las cámaras digitales.

Cualquier valor ISO por encima del mínimo que permita la cámara se traducirá en un mayor nivel de ruído en las fotografías resultantes. En HDR es fundamental disponer de imágenes lo más limpias posibles, ya que el ruído tiende a dispararse en la fase de tone mapping.

Por lo tanto, y más si estás utilizando trípode, selecciona el menor ISO que tu cámara te permita. Obtendrás fotografías de mejor calidad.

4. Usa RAW para objetos en movimiento.

Si quieres hacer fotografías de objetos en movimiento, necesitarás obtener tu imagen HDR de una sola toma.

Esto es bastante lógico, ya que con distintas capturas no encajarán posteriormente ciertos elementos de la foto, generando sombras extrañas.

Así que, haz la foto en RAW para poder extraer varias imágenes con distintas exposiciones de la misma fotografía original.

5. Prueba a fotografiar objetos estáticos con elementos en movimiento.

Si vas a hacer una foto a algo estático con elementos en movimiento en el fondo, como pueden ser escenas urbanas con gente andando o coches circulando, prueba a disparar en JPEG.

Esos elementos secundarios en movimiento suelen crean efectos bastante curiosos.

6. Objetos metálicos.

Los elementos de metal tienden a provocar efectos bastante llamativos.

Este efecto se debe a la gran varición de luz y sombra que puede recogerse en tan poco espacio, ni mas ni menos que el tamaño que ocupe en nuestra foto el objeto metálico.

Así que, si puedes, prueba a incluir algún objeto metálico en tu fotografía.

7. Fotografía objetos con fuertes texturas y diferencias de color.

Los contrastes fuertes generan gran diversidad de luces y sombras, que es la esencia de la fotografía HDR.

Al igual que ocurre con los objetos metálicos, cualquier tipo de contraste fuerte es un recurso muy agradecido a la hor de crear imágenes HDR.

8. Utiliza el modo de bracketing automático.

Si tu cámara dispone de este modo de disparo, úsalo. Fija el valor de la apertura para conseguir la misma profundidad de campo en todas las tomas y haz varias fotos con distintos tiempos de exposición. Cuantas más fotografías tomes, más información tendrás y mejores resultados podrás obtener en el tratamiento HDR posterior.

Refiere dzoom.org.es

Exposición de Albert Puntí "Fotomuntatge" En el Centre Civic Pati Llimona

2008-02-09T13:56:00.001+01:00


El fotógrafo Albert Puntí inauguró el 31 de Enero en el
Centre Civic Pati Llimona
la exposición
"Fotomuntatge"

Se podrá disfrutar hasta el 27 de febrero de 2008.

Centre Civic Pati Llimona
Regomir, 3 Barcelona
932 684 700

Adiós a la magia de la Polaroid

2008-02-09T13:43:00.001+01:00

La compañía va a dejar de fabricar el característico cartucho de sus cámaras instantáneas para entrar de lleno en la era digital

ELPAÍS.com - Madrid - 09/02/2008

La fotografía digital arrasa con todo, tanto que los nostálgicos de una cámara mítica, la Polaroid, van a tener que arreglárselas a partir de ahora para conseguir sus característicos carretes. La firma echará el cierre de sus plantas de producción en Massachussetts, en los EE UU, México y Holanda debido al descenso en las ventas del cartucho para sus cámaras instantáneas, informa la BBC en su edición digital.

Hace un año que Polaroid dejó de producir sus cámaras instantáneas, un invento impulsado hace 60 años por su fundador, Edwin Land. Ahora, la compañía ha decidido centrar toda su atención en la era digital explotando otras sinergias, como las impresoras portátiles para móviles y las cámaras digitales. "Estamos intentando reiventar la marca para los 30 o 40 años que vienen", aseguró el presidente de la empresa, Tom Beaudoin, a la agencia AP.

Una trayectoria de más de 70 años

Polaroid, fundada en 1937, presentó su primera cámara instantánea en 1948. Su popularidad alcanzó la cima en 1991, cuando las ventas alcanzaron los 3.000 millones de euros. Sin embargo, fracasó a la hora de adaptarse a la revolución fotográfica digital y se declaró en bancarrota en 2001, antes de ser adquirida, cuatro años después, por Petters Worldwide, con sede en Minnesota.

Según la BBC, la empresa cuenta con carretes suficientes hasta 2009 y espera vender la licencia para que otras marcas continúen distribuyéndolos a todos aquellos amantes de la famosa cámara.

Refiere elpais.com

Efecto LOMO, Lomografías con Photoshop

2008-02-09T13:32:00.001+01:00

(dzoom.org.es) La LOMO LC-A es una cámara analógica de fabricación rusa que causa furor en el mundo entero desde que dos estudiantes austríacos las pusieran de moda a raíz de un viaje a Praga en 1991. Las características especiales de estas cámaras han generado un curioso movimiento social. En este artículo te contamos cómo puedes subirte al carro de la lomografía consiguiendo los efectos de una LOMO con tu propia cámara digital.

En 1991, dos amigos encontraron en un mercadillo varias cámaras compactas de la marca LOMO. Estas cámaras cuentan con unas características muy especiales basadas principalmente en su objetivo y distancia focal, que derivan en unas imágenes fuertemente saturadas y con un viñeteado alrededor, creando un efecto túnel.

Estos dos amigos iniciaron un fenómeno llamado Lomografía, que con la frase "No pienses, dispara!", hace que sus usuarios vayan por el mundo haciendo "fotos locas", consiguiendo resultados poco controlables a priori por las bases de la fotografía. Los efectos de la cámara, combinados con encuadres o posiciones de disparo poco usuales, consiguen resultados completamente diferentes a los de la fotografía convencional, pero comunes a esta corriente.

Efecto Lomo Photoshop

Gracias a este script Photoshop, puedes conseguir un efecto parecido al de las cámaras Lomo con tu propia cámara digital. Para ello simplemente tienes que abrir la fotografía sobre la que desees aplicar el efecto Lomo y cargar el script (Menú Archivo -> Guiones -> Explorar ) y seleccionar el script que te facilitamos.

Te garantizamos unos efectos sorprendentes, pero ten cuidado... Engancha!!!

Algunos ejemplos de la aplicación del efecto Lomo en Photoshop

Fotografía original

Fotografía Lomo en Photoshop

Casi se me olvida. Aquí teneis el script photoshop para aplicar el efecto Lomo. Que lo disfruteis.

Refiere dzoom.org.es

POLAROID ANUNCIO EL FIN DE LA FOTOGRAFIA INSTANTANEA

2008-02-09T13:26:00.001+01:00

NUEVA YORK, 9 (ANSA) - Polaroid, empresa estadounidense dedicada a la fabricación y distribución de cámaras y películas fotográficas instantáneas, anunció el fin de la fotografía instantánea.

    La empresa, que dejó de fabricar máquinas fotográficas para el público en general alrededor de un año atrás, anunció hoy el cierre de establecimientos en Estados Unidos y México donde eran producidas las películas.

    La empresa nació en 1937: en esa época producía lentes polarizadas para uso científico y militar.

    La primera Polaroid que sacaba fotos instantáneas apareció en el mercado en 1948. JMG

Refiere ANSA

Imagen de soldado exhausto de EEUU en Afganistán, mejor fotografía de 2007

2008-02-09T13:24:00.001+01:00

AMSTERDAM (AFP) — El británico Tim Hetherington ganó con una instantánea de un soldado estadounidense exhausto en un búnker en Afganistán el prestigioso World Press Photo Award de 2007, en el que también fueron premiados dos fotógrafos colombiano y español de la AFP.

"Esta imagen muestra el agotamiento de un hombre y el agotamiento de una nación", declaró el viernes en Amsterdam el presidente del jurado, Gary Knight, al anunciar los galardonados.

"Todos estamos conectados a esto. Es una foto de un hombre al borde del límite", agregó.

El colombiano Roberto Schmidt actualmente en la oficina de la Agencia France Presse en Nairobi, ganó el segundo premio sobre temas de actualidad por una imagen tomada durante la reciente ola de violencia post-electoral en Kenia.

Su colega español Miguel Riopa, establecido en Galicia, recibió el segundo galardón en una de las categorías de deportes por una foto de la Copa del América de Valencia (España).

Hetherington, quien había sido contratado por la revista estadounidense Vanity Fair, tomó su premiada imagen el 16 de septiembre de 2007.

Muestra a un joven soldado descansando en el búnker de Restrepo, llamado así en referencia a un compañero suyo de batallón asesinado por los insurgentes.

El Segundo Batallón Aerotransportado de la 503ª unidad de Infantería del ejército de Estados Unidos estaba se desplegaba por entonces en el Valle de Korengal.

Esta zona, recordada por el derribo de un helicóptero estadounidense, ha sido foco de combates cruentos entre los insurgentes y las tropas extranjeras.

"Hay una calidad humana en esta fotografía", indicó Mary Anne Golon, miembro del jurado. "Indica que el conflicto es la base de la vida de este hombre",

Hetherington recibirá el galardón y los 10.000 euros (14.500 dólares) que van adjuntos, en una ceremonia el próximo 27 de abril en Amsterdam.

El jurado concedió premios en diez categorías a 59 fotógrafos de 23 nacionalidades.

La actualidad fue dominada un año más por la inestabilidad y los conflictos que sacuden a varios países y zonas del mundo, como Afganistán, Pakistán, Kenia u Oriente Medio.

El premio al mejor retrato fue concedido al fotógrafo Platon por una imagen del presidente ruso, Vladimir Putin, para la portada de la revista estadounidense Time, en la que su mirada parece perdida frente a la cámara.

Bren Stirton de Getty Images fue laureado en la categoría de asuntos contemporáneos por una impactante foto de un grupo de personas que transporta el cadáver de un gorila en la República Democrática de Congo.

World Press Photo es un organismo independiente, sin fines de lucro, con sede en Amsterdam.

Refiere AFP

Efecto 300 de Frank Miller en tus Fotos

2008-02-09T05:04:00.001+01:00

Reproducimos un artículo de http://www.dzoom.org.es :

En pocos días se estrenará la película 300, basada en el comic de Frank Miller. Hoy os queremos enseñar como conseguir que vuestras fotos tengan ese aspecto especial que ambienta la película, algo a lo que nos hemos atrevido a llamar el "Efecto 300". ¿Te animas a probarlo?

Antecedentes

El próximo 23 de Marzo se estrena la película 300 de Frank Miller. 300, dirigida por Zack Snyder, es una adaptación del cómic con el mismo nombre del dibujante y guionista estadounidense Frank Miller. Para los que no esteis muy familiarizados con el mundo del comic, os diré que Frank Miller también es el autor de los comics de Sin City, llevada al cine hace algún tiempo.

La película y el comic son una adaptación completamente libre y sin demasiado rigor histórico de la la batalla del paso de las Termópilas, un corredor costero junto al golfo de Malis, en el 480 a.C. En esta batalla, Leónidas, rey espartano, lideró una coalición de ciudades-estado griegas para enfrentarse al imparable ejército persa.

Ante la desproporción numérica (7.000 griegos contra 120.000 persas), Leónidas decidió que la retirada era la mejor opción, mientras alguien retenía a las huestes del monarca Jerjes para asegurar la huida. Leónidas convocó a sus trescientos mejores hombres, que se atrincheraron en el paso de las Termópilas junto a 700 voluntarios griegos.

El Efecto 300, paso a paso

A simple vista, la fotografía de 300 parece haber sufrido un proceso de revelado basado en bleach bypass por el exceso de contraste y el grano que muestra. No obstante, el tratamiento es algo más complejo, así que vamos a utilizar otra fórmula.

Lo primero que debemos hacer es buscar una foto que se ajuste un poco a la temática. No he tenido mucho tiempo para buscar, y lo más que he conseguido es una fotografía de romanos, pero supongo que sabreis perdonar la torpeza de mezclar griegos con romanos. Al fin y al cabo, no se trata de dar una lección de historia sino unos pequeño trucos de fotografía.

A continuación, voy a pasar una copia de la imagen a blanco y negro. Para ello he utilizado la acción de paso a blanco y negro basada en Color Lab que ya contáramos en otro artículo.

Si analizais bien los fotogramas de 300, os dareis cuenta que los fondos de la fotografía están virados a una especie de sepia. Con el fin de ajustarme lo más posible al original, he clonado los tonos de una de las imágenes de 300. Vamos a aplicar este mismo virado a la foto mediante una capa de curvas. Para aplicar exactamente los mismos ajustes, ya que es un poco tedioso de hacer a mano por tener que editar cada uno de los canales de color en la capa de Curvas, facilito el fichero de descarga de las curvas para que se carge y aplique directamente. Para ello teneis que descargar el fichero de curvas, y al hacer una nueva capa de ajuste de curvas, pulsais sobre el botón Cargar e indicais donde se encuentra el fichero de curvas.

Ya tenemos una imagen en blanco y negro virada a los tonos de la película 300. Vamos a aplicar algo de ruído a la imagen. Lo hacemos con el Menú FILTRO -> RUIDO -> APLICAR RUIDO. En este caso he aplicado un valor del 2%, marcando la opción monocromático.

Fusionamos las capas y copiamos la imagen resultante. Esta imagen la vamos a pegar como una nueva capa sobre la versión de color, de modo que tengamos dos capas de la misma foto, una en color, y otra virada.

Ponemos la capa de color por encima de la virada, ajustamos la opacidad al 50%, y probamos distintos modos de fusión de capa hasta que quede a nuestro gusto. En el ejemplo hemos utilizado el modo de fusión Multiplicar, pero podemos probar con Subexponer Color o Subexposición Lineal.

Sobre esta capa, creamos una máscara de capa y, con un picel negro, pintamos sobre el fondo, de modo que la capa solo se aplicará en los personajes de la foto, mostrando en el fondo la capa virada al sepia. Este es el efecto que se consigue en la película al haberla rodado en decorados sobre un fondo azul, fondo que en el postprocesado se ha reemplazado con imágenes monocromáticas hechas con ordenador.

Para terminar, podemos subir un poco más el contraste. Para ello creamos una nueva capa de contraste y le aplicamos entre un 10 y un 15% de Contraste a la foto.

También vamos a subir la saturación de los rojos, mediante una nueva capa de Tono/Saturación. En el canal Rojo, subiremos la saturación un 20, y en el canal amarillo, bajaremos la saturación un 10.

Y ya tenemos nuestra imagen con el Efecto 300 de Frank Miller.

Más información en la web
http://www.dzoom.org.es/noticia-1607.html

Exposición del fotobloguer Carlos Cazurro burgos

2008-02-08T17:24:00.001+01:00

El fotobloguer vallisoletano Carlos Cazurro expondrá, a invitación de la Agrupació Fotogràfica de Montcada i Reixac, una serie de 35 fotografías tomadas en los últimos tres años por toda Europa y con las que pretende hacer un resumen de lo que ha sido su fotoblog cazurro.com durante todo este tiempo.

Fecha: Del 1 al 29 de febrero de 2008
Lugar: Centre Cívic Antigues Escoles de Mas Rampinyo, C/ Alt de Sant Pere 73, 08110 Montcada i Reixac (mapa)
Precio: Entrada gratuita

Refiere: Barcelona Photobloggers y Cazurro.com

Fotoperiodismo en Catalunya 1976-2000

2008-02-08T11:41:00.001+01:00

En el año 1990, el Colegio de Periodistas de Cataluña y el Ayuntamiento de Barcelona organizaron en el Palau de la Virreina una exposición que recogía la historia del fotoperiodismo en Cataluña desde sus orígenes —que se situaban en un reportaje de Heribert Mariezcurrena en La Ilustración en 1885— hasta las fotografías de las manifestaciones del 1 y del 8 de febrero de 1976.

Diecisiete años más tarde las mismas instituciones organizan en la misma sala otra exposición sobre el fotoperiodismo en Cataluña que abarca los veinticinco años transcurridos entre aquellas manifestaciones y el cambio de siglo. Los acontecimientos políticos y sociales de la Transición y los Juegos Olímpicos son su eje central. En este periodo han cambiado muchas cosas en el mundo de la información gráfica en los periódicos. En 1975 el color se utilizaba sólo para las portadas de rotograbado de las ediciones dominicales y en las páginas interiores los textos se imprimían en tipografía y las imágenes con fotograbado. La calidad de impresión de las pocas fotografías que aparecían en ellos era pésima y su temática quedaba limitada a los deportes, las fotos oficiales, alguna foto internacional facilitada por agencia y poco más. Sólo había uno o dos fotógrafos en cada redacción.

Al entrar en el siglo xxi todos los periódicos se imprimían en ófset y con fotografías en color. La imagen ocupaba un lugar muy importante y los temas más vivos quedaban reflejados fotográficamente en sus páginas. Cada redacción tenía un equipo muy amplio de fotógrafos, organizado jerárquicamente. Los viejos laboratorios de revelado estaban pasando a mejor vida para dar paso a la fotografía digital y al Photoshop. La figura del editor gráfico, tanto tiempo reivindicada, estaba presente en todos los medios. El fotógrafo dejaba de ser un apéndice del periodista de texto —que hasta entonces era quien lo decidía todo— y se convertía en un fotoperiodista con capacidad de decisión y con derechos sobre el producto de su trabajo. Los enviados especiales eran algo habitual y los fotoperiodistas catalanes habían abandonado el provincianismo tradicional para practicar un cosmopolitismo que llegaba a todos los países del mundo y a las zonas más calientes.

Este gran salto cuantitativo y cualitativo es lo que quiere reflejar esta exposición, al mismo tiempo que se ha pretendido ofrecer al público una representación suficiente del fotoperiodismo como trabajo colectivo durante el periodo 1976-2000, más que presentar una suma de individualidades.

Nuevos fotoperiodistas jóvenes se han ido incorporando continuamente a la profesión en los años que llevamos de siglo. Ellos, naturalmente, serán el objeto de la próxima muestra que se organice sobre el fotoperiodismo en Cataluña.

La Virreina

Robert Frank, la última leyenda de la fotografía del siglo XX

2008-02-08T01:36:00.001+01:00

Memorias de un poeta triste

Encuentro en Manhattan con el autor de The Americans, una mirada cínica de la sociedad estadounidense. A los 83 años, habla de sus comienzos y de la beat generation, mientras prepara una muestra que se verá en el Museo Fernández Blanco

Por Daniel Merle - Enviado especial - Nueva York 2007

"Es bastante sorprendente ver a un tipo que mientras maneja el automóvil, de repente levanta su pequeña cámara alemana de trescientos dólares con una mano, y dispara a través del parabrisas sucio hacia algo que está frente a él. Y, más tarde, cuando la película ya está revelada, comprobar que esas estrías de suciedad no afectan la luz, ni la composición, ni detalle alguno de la imagen. Más bien parecen realzarla."

JACK KEROUAC, 1958.- Miércoles 25. Son las tres de la tarde y llego caminando por Bleecker Street desde el oeste. Estoy frente a la puerta verde, cuya única inscripción es el número 7. A mi izquierda, garabateado con marcador sobre el portero eléctrico, dice: "Correo: toque el timbre y pase la correspondencia por debajo de la puerta, o golpee fuerte en el medio de la puerta". Lo hago tres veces. Nadie contesta. De repente, se abre la cortina metálica del sótano a mi izquierda y reconozco la cara de June (artista plástica y esposa de Robert Frank desde 1975) que me invita a pasar. Bajo dos escalones y puedo ver que Frank está acostado en una cama junto a la ventana que da a la calle. Hace calor. Frank trata de incorporarse, pero apenas lo logra. Entro al cuarto y lo veo por primera vez de cuerpo entero: se ha sentado en la cama y tiene frente a sí una vieja máquina de escribir sobre una mesita. La cama está llena de libros, revistas, una cartera de mujer, las sábanas revueltas. Está vestido con camisa y pantalón, el cinturón desabrochado. Su desaliño coincide con el resto del ambiente. Nunca le han interesado la pulcritud personal ni el orden o la limpieza de los lugares en los que vive.

No puedo observar mucho más por la cantidad inmensa de objetos que me rodean. Me concentro en su cara cansada, agobiada por el calor de la tarde. Lo veo triste, un poco desorientado. Tiene 83 años. Estoy frente a la última leyenda viviente de la fotografía.

Durante las dos horas que conversamos, Frank permanece alternativamente acostado o sentado en la cama. Solo cuando se entusiasma con la charla se levanta y se sienta en una vieja butaca. Me invita a que me ubique frente a él mientras sigue mirando hacia Bleecker Street. Los ecos de una discusión llegan hasta nosotros. Dos personas se gritan por unas verduras. Uno contesta (o insulta) en chino. Frank sonríe. Le gusta escuchar las voces que vienen de la calle.

-¿Cómo se siente hoy?
-Cansado, muy cansado. Han pasado muchas cosas en las últimas semanas. Estuve en España, y en Suiza, donde se está terminando una nueva edición de The Americans . Es la misma versión que aquella primera. No le he cambiado nada. Es el mismo libro de hace casi 50 años.

-Usted ha dado muy pocas entrevistas. Me pregunto por qué.
-Bueno, pero se ha escrito mucho sobre mí.

-Además de la exposición sobre su trabajo, que se inaugurará próximamente en el Museo Fernández Blanco, una de las razones por las que estoy aquí es que usted es, en Buenos Aires como casi en todo el mundo, una leyenda...
-No entiendo mucho eso de la leyenda; yo creo que es un malentendido. Hay muchos otros fotógrafos en el medio, (Josef) Koudelka por ejemplo, y otros más. Bueno, quizá no tantos. En América Latina hay muy buenos fotógrafos. Tal vez, lo que llama la atención del público es que siempre he sido independiente. No me dediqué al fotoperiodismo. Entonces, algunos me consideran de alguna manera más "puro". Aprendí además, cuando era muy joven, a proteger mis fotos. Desde que hice mis primeros trabajos para Harper s Bazaar en los años 40, para Alexey Brodovitch, me di cuenta de que si alguien que no fuera yo escribía los epígrafes de mis fotos, el verdadero significado de la imagen podía ser manipulado. Tenía esta idea básica de lo que era mi independencia.

-Pero usted ejerce aún hoy una gran influencia en las nuevas generaciones de fotógrafos en todo el mundo.
-Quizás sea porque me siento comprometido con mis fotos y no dejo que se publiquen si no estoy conforme con ellas. Tuve la oportunidad de publicar TheAmericans cuando era aún muy joven. No estaba interesado en hacer historias fotográficas como las que se hacían en la revista Life . Estaba interesado solamente en mis fotos. Y The Americans me permitió expresar lo que yo veía del pueblo norteamericano. Tenía algo así como una mirada virgen. Una mirada fresca, abierta a las sorpresas. Viajé por todo el país y cada cosa que veía me sorprendía. Fueron buenos tiempos. Yo no era una persona sofisticada, pero sabía que era un fotógrafo. No estaba impulsado por nada intelectual. Me guiaba la intuición. Había gente que era absolutamente nueva para mí. Por ejemplo, la gente de color.

-¿Cómo hizo la edición de The Americans?
-Primero hice copias de contacto de todas las fotos. Seleccioné unas cuantas y las imprimí más grandes. Las pegué sobre la pared. Las miraba y las iba ordenando de acuerdo con algunos temas simples: paisajes, gente en autos, carteles, banderas... Hice una maqueta y la llevé a París. La maqueta no encajaba en la colección que Robert Delpire hacía en ese entonces, una especie de enciclopedia. Así que decidió hacer un libro un poco más pequeño que mi maqueta. Eliminó dos o tres imágenes y dijo que tenía que haber un texto. Yo dije que no quería ningún texto. Pero finalmente lo pusimos.

-Usted había leído a William Faulkner y estaba interesado en que él escribiera una introducción para el libro.
-Sí, había leído a Faulkner. Tenía una manera de escribir conmovedora. Luego leí a Camus, a Sartre. Leí La edad de la razón , pero lo encontraba muy difícil, demasiado filosófico para mí. El extranjero , de Camus, tuvo una gran influencia sobre mí en aquellos tiempos. La certeza de estar solo y ser diferente a los demás... Creo que ser independiente y fuerte es una buena manera de pasar por la vida. Uno tiene que ser fuerte. Camus era un gran escritor precisamente por la simplicidad de su lenguaje.

-¿Recuerda la primera vez que tomó una fotografía? ¿Qué sintió en ese momento?
-En Zurich era aprendiz de un fotógrafo en el estudio de Hermann Segesser; tenía 17 años. ...l me dio una pequeña cámara que usaba negativos de vidrio. Me dijo: "Andá y sacá una foto". Mi padre también hacía fotografías. Tenía incluso una cámara estereoscópica. Hice la foto de una iglesia. Era el edificio más grande del barrio, un barrio de clase media acomodada. Esa iglesia está hoy exactamente igual que entonces. Tenía esa imagen en un pedazo pequeñito de vidrio. Me gustaba Segesser. Vivía arriba de nuestro departamento. A mi padre también le resultaba simpático. Y él me permitió ser su aprendiz. A veces las placas de vidrio se rompían. Entonces él las sumergía en una solución química y con mucho cuidado desprendía la emulsión entera del vidrio quebrado y la trasladaba a una placa de vidrio nueva. Era un procedimiento muy delicado. La fotografía se estaba convirtiendo en algo fascinante para mí. Mi primera cámara fue una Rolleiflex con la que empecé a fotografiar todo aquello que me interesaba. Cosas muy aburridas, la cosecha de la uva, animales, cerdos principalmente, actividades del campo, cosas muy simples. No lo hacía por encargo sino para mí mismo. Después, a través de mi padre, conseguí un trabajo en una gran compañía fotográfica, pero era algo muy mecánico, una cadena de producción. Duré dos días en ese trabajo. Entonces mi padre me dijo: "Es muy bueno que quieras ser un fotógrafo, pero vas a tener que pensar en algo más para ganarte la vida". Las chances de vivir de la fotografía en aquellos tiempos eran pocas. Y además estaba la guerra. Suiza estaba aislada. Fui a Ginebra. De casualidad encontré a un hombre, en el mercado, que me dijo que era fotógrafo. Su nombre era Kubra y miraba mi motocicleta; estaba muy interesado en la motocicleta que tenía en aquel momento. Y me ofreció ser su ayudante. Siempre fui muy afortunado con la gente.

-¿Siente que todavía es una persona afortunada?
-Bueno, me han sucedido cosas terribles durante mi vida... [N. de la R.: su hija Andrea murió en un accidente aéreo en Guatemala en 1974; su hijo Pablo, que padeció problemas psicológicos toda su vida, murió en 1994.] Ahora soy un hombre viejo. Tuve una buena vida. Me siento feliz de hacer algún trabajo todavía. Poner orden en la obra que hice a lo largo de mi carrera. Además, tengo a mi esposa June. Ella es muy talentosa y ha sido una inspiración en mi vida. Ella es una mujer firme, absolutamente honesta. Eso me impresiona.

-Una vez usted dijo que su mujer, June, era más libre en su arte (la pintura y la escultura) que usted en la fotografía, porque ella tenía una hoja en blanco frente a sí, mientras que su mirada estaba mediatizada por la cámara .
-Todavía pienso lo mismo. La técnica fotográfica es una limitación. Pero eso me ha impulsado a experimentar con otra clase de cámaras. Las limitaciones son un medio para descubrir otras cosas, pero al final son siempre las mismas limitaciones.

-El descubrimiento de la Leica, cine, video, polaroids, collage...
-Sí, a veces uno "se mete en el bosque". Pero es la curiosidad la que me impulsa. Eso me hace tomar riesgos. No es posible ser un fotógrafo si no se toman riesgos.

-¿Cuáles son las condiciones necesarias para llegar a ser un fotógrafo?
-Hay que tener capacidad de persistir. Lograr una cierta cantidad de trabajo que vaya en una determinada dirección. En ese camino, la dirección puede ser intuitiva o fruto de un concepto. Las cosas llegan por intuición o por concepción.

-¿Y cuál fue el camino que eligió usted?
-¡Yo elegí el camino correcto! [risas] Tuve la oportunidad de hacer un libro muy temprano en mi carrera y eso definió mi dirección. Intenté publicar The Americans en los Estados Unidos, pero sólo encontré editor en París. He vivido en este lugar casi toda mi vida (la calle Bleecker, en el Lower East Side neoyorquino), pero ahora nos mudamos a un departamento más moderno, con ascensores, más confortable, a cinco minutos de aquí. Vengo todos los días a este estudio a leer, a trabajar. Pero volviendo al tema de los caminos, me parece que hoy video y fotografía se complementan. El campo para hacer dinero se amplía notablemente.

-¿Y para hacer arte?
-Nunca creí en hacer arte como fotógrafo. Me parece un gran error decir ARTE en letras mayúsculas. Yo creo que hice buena fotografía de acuerdo con mi propia visión. Tal vez sea muy difícil llegar a tener una visión clara como fotógrafo. Hoy la gente es más inventiva. Hay más fotógrafos persistiendo en diferentes formas. Paisajes, retratos, ciudades. No me gustaría empezar otra vez. No creo que pueda fotografiar la ciudad como lo hice en los años 50. Ahora fotografío con esa cámara. [Señala una Lomo, una cámara de plástico de muy bajo costo, sobre la mesa de luz.] Es una clase de entretenimiento para mí. Tengo que hacer algo para pasar el tiempo. Viajo mucho y siempre llevo esta pequeña cámara de plástico. Voy a una casa de fotografía cerca de aquí y encargo copias de contacto. A veces marco una o dos y las copio más grandes.

-Walker Evans fue catalogado como un documentalista, aunque él decía que no lo era, que era un artista .
-Sí, creo que él era un artista, porque quería ser un artista. Fue educado para ser un artista. Era muy claro en ese sentido. Pero ese nunca fue mi propósito. Gracias a su influencia conseguí la beca Guggenheim, y el hecho de que se publicara mi libro me ayudó mucho a tener un nombre como fotógrafo. Pero seguimos caminos diferentes. Hay una cita de Yeats que dice: " The horseman passes by and cast the cold eye " ("El jinete pasa y lanza una fría mirada"). Yo no creo haber tenido un ojo frío. Walker Evans lo tenía. Un ojo calculador. ...l miraba un auto en la calle. Pensaba que la luz sería mejor una hora más tarde, el momento adecuado, el encuadre. Un sentido de la precisión. Yo nunca fui de esa manera, aunque sabía cómo hacerlo, porque por un tiempo fui su asistente.

-Antoine de Saint-Exupéry en El Principito dice que las palabras son la fuente de todos los malentendidos. En la muestra que se va a inaugurar en Buenos Aires, se podrá ver esa imagen en que aparecen dos o tres fotos de Los Americanos que cuelgan de una cuerda, prendidas con broches para la ropa, mientras que en el extremo derecho se lee "Words" (palabras) sobre un fondo negro...
-Usé las palabras como una manera de destruir las fotos. Creo que hay algo más importante que las fotos. Y lo escribo directamente sobre los negativos. Pero se trataba apenas del fotograma de una película; no creo que fuera una gran foto.

-¿El público encuentra en sus fotografías significados que a usted no lo representan?
-¿Cuál es el público? Yo pienso que los críticos llegaron temprano a mi carrera. Ellos han desarrollado un tipo de admiración sobre mi trabajo, sobre mi personalidad. Mucha gente que escribe sobre mí nunca ha visto mis fotos. Me gustaba Johnny Cash cantando " I am a pillgrim and a stranger" . Ya no soy un marginal, pero no quiero tener nada que ver con el establishment . No tengo muchos amigos. Todos los amigos de la beat generation ya se han ido. Y cuando uno se vuelve viejo se da cuenta de una cosa: más que ser marginal, en realidad uno está solo. La gente no tiene tiempo. Incluso yo no tengo tiempo. No tengo paciencia para escuchar a otra gente. No conozco gente joven. Encuentro que vivir en esta hermosa ciudad es suficiente para mí. Tengo la energía necesaria para vivir aquí, con la ayuda de June. Todo cambia cuando uno se vuelve viejo. El paisaje cambia. Y uno se da cuenta cuando el deterioro físico comienza. ...sa es la señal. Ya no enseño, por ejemplo. Lo hice en diferentes lugares durante algún tiempo. No lo hago desde hace más de diez años. Ya no tengo la energía física, la paciencia. Creo que todo lo que podía enseñar era cuánto esfuerzo requiere llegar a cierto reconocimiento en el mundo de la fotografía, a tener un nombre.

-¿Cuáles son las principales cualidades que debe tener un buen fotógrafo?
-Una buena lección me la dio Allen Ginsberg hace poco más de diez años. ...l estaba enseñando poesía, creo. Se sentó y miró hacia la mesa [señala la mesita donde está su máquina de escribir], y describió lo que veía: las patas, el tipo de madera, los papeles sobre la mesa, el frasco de las medicinas, la máquina de escribir. Lo que uno veía era exactamente lo que él estaba diciendo. No había poesía en la mesa, pero la sola descripción podía convertirse en poesía. Ginsberg tenía un sentido del ritmo y una increíble cantidad de palabras para combinar en su mente. Tenía una manera de ver profética. Otra cualidad suya fue el coraje... Era un marginal, un homosexual, estaba en contra del sistema, era judío. Sí, tenía un tremendo valor, que también venía de su madre, que era loca. Peter Orlovsky, que fue amante de Ginsberg, también era una persona absolutamente libre. La última cualidad [para ser un buen fotógrafo] es la curiosidad. Correr el riesgo. No hay reglas en esto.
Robert Frank me pregunta acerca de la pequeña cámara digital que llevo en el bolsillo. Se la muestro y la examina cuidadosamente. Está muy interesado. Hace un par de tomas. Se da cuenta de que la pantalla de la cámara muestra la imagen demasiado clara. La quiere ver más oscura. Pregunta cuánto cuesta. Pregunta si hago copias en papel de las fotos que tomo. " Very nice camera, wonderful! ", dice. Busca los anteojos para observarla más detenidamente. Le pregunto si le puedo hacer algunas fotos, y accede, sin distraerse de la meticulosa observación que sigue haciendo de mi cámara digital. Me pregunta si el foco es automático, quiere saber acerca de todos los controles. Le pregunto si le gustaría comprar una. "No, no. Conozco muchos fotógrafos que usan estas pequeñas cámaras digitales... ¿Tiene más preguntas? A veces me canso de ser el objeto de tantas preguntas."

-¿Qué fotógrafos han influido en su obra?
-Un fotógrafo suizo; su nombre era Tukenov. Bill Brandt, Walker Evans. Bill Brandt influyó más, era una personalidad más sombría que Walker. La fotografía que yo hacía no se practica más. Las cosas han tomado otra dirección, especialmente en Alemania. A veces me canso bastante en el intento de recordar los nombres... He visto buenos libros últimamente... Olvido los nombres.
June interviene en la charla. Dice: "No me gusta ser una mujer policía, pero en los últimos seis meses he tenido que serlo porque Robert se ha enfermado". Frank cuenta que June lo protege y mucho. Y June vuelve a hablar para decir: "Yo soy muy protectora de Robert, pero también de mí misma. ...l tiene 83 años; yo voy a cumplir 78. Tenemos límites. Venga mañana para hacer las fotos".
Jueves 26. Llego a la cita programada con June: a las 10 en punto, 15 minutos sólo para hacer las fotos. La encuentro en la calle. Está hablando con un señor que tiene puesto un delantal blanco. Es el dueño de un local lindante con el edificio de Frank. Están discutiendo sobre unos equipos de aire acondicionado que han instalado y que dan al patio trasero de los Frank. Hacen mucho ruido y Robert no puede dormir a la hora de la siesta.
Entro al estudio de June, en el primer piso del edificio. Dos pinturas enormes sobre la pared de la izquierda representan la única zona relativamente despejada en el lugar. Ahí se acumulan objetos, obras inacabadas, un yunque, un trozo de leña y un hacha, metales, un equipo de soldadura. Decenas de pequeños dibujos, fotos, recuerdos, libros, una escultura en metal (tamaño natural) de un hombre sentado que tiene un fuelle de cuero en el vientre; si uno aprieta fuerte el fuelle, sale aire de la boca del hombre metálico. June se ríe, satisfecha con su obra. Mientras recorta de un papel un dibujo a lápiz de unos niños haciendo una ronda y lo pega en una página del libro que me regala, June dice: "Es bueno mostrar cómo las grandes cosas vienen de aquellas que son pequeñas. Robert me necesita mucho últimamente, así que es un poco difícil abocarme todo el tiempo a mi trabajo ahora".
Me conduce por un pasillo y subimos una escalera. En un rincón puedo ver decenas de latas de película de 35 mm (quizá copias de la producción fílmica de Frank). Llegamos a una puerta negra. June me invita a pasar, el aire está fresco. Es un rectángulo un poco angosto, con una ventana sobre la izquierda. Frank está sentado frente a un tablero, tratando de escribir sobre unas hojas que todavía están vacías. Comienzo a tomar fotos, en silencio. Ambos se quedan en el cuarto. Ella se sienta en la cama. ...l trata de garabatear algo en un papel. No saben qué hacer. A Frank le resulta muy molesto ser fotografiado. Se siente incómodo, no quiere mirar a la cámara. Después de unos minutos, June se retira.
Picture time! El tiempo para hacer las fotos no tiene que durar mucho dice Frank. "Después de todo, sólo necesita una o dos, ¿no?".

-¿Puede mostrarme algunas cosas que ama de las que hay en este cuarto?
-Esta es mi hija Andrea. [Es lo primero que señala, una foto enmarcada, colgada en la pared frente a su tablero]. Esta es una muy buena pintura que hizo June de mi hijo Pablo y yo [una pequeña pintura en la pared opuesta a su escritorio]. Y este se supone que es Benito Mussolini [se acerca a una inmensa placa de corcho y señala una tarjeta postal]. La encontré en alguna parte, no recuerdo dónde. Cuando hice la milicia en Suiza, fui asignado a un batallón de montaña. Fue una buena manera de estar entrenado, una buena educación también. Nunca más fui a la montaña, pero llegué a ser un buen esquiador. Mussolini era casi una broma. Pero Hitler era algo serio. Déjeme mostrarle el otro cuarto...
Pasamos a una habitación más amplia, con dos ventanas que dan a la calle. Sobre una mesada y en las estanterías hay una cantidad de recuerdos. Su vieja cámara VHS. "Ya no vivo aquí, uno se cansa de estar rodeado todo el tiempo por tantos recuerdos." Frank busca su Polaroid SX-70 y me dice que quiere tomarme una fotografía. Intenta cargarla con diferentes magazines , pero están todos vencidos. "Me gusta esta cámara". Le ofrezco mi cámara digital, pero la rechaza. Dice que las baterías que vienen incorporadas en el magazine de la película de su Polaroid están agotadas. Persiste. Finalmente puede cargar uno. Me pide que me quede parado frente a él a dos metros de distancia. Hace dos, tres fotos y las va arrojando al piso. Salen mal, sobrexpuestas. Se desanima.

-¿Encontró alguna similitud entre Polaroid y la fotografía digital? ¿Tienen la misma inmediatez?
-Nunca he probado una cámara digital, no podría decirle.

-En 1948 inició un viaje por Perú y Bolivia porque quería alejarse del mundo de la fotografía comercial en los medios de Nueva York ¿Cómo fue ese viaje?
-Me gustó mucho Lima. Yo viajaba con la gente del pueblo, en los camiones [lo dice en castellano], por caminos de ripio. Muchas mujeres usaban esos sombreros. Me llamaban mucho la atención. Espero haber visto algo más que esos sombreros, las montañas, el paisaje. Estuve la mayor parte del tiempo solo, durante unos seis meses. Recuerdo que estaba viajando en tren y un vendedor ofrecía sándwiches. Alguien a mi lado me dijo que no los comiera, porque estaban hechos con carne de perro. Igual me comí uno. Era fantástico. En algunos pequeños lugares de las montañas uno podía comer con cubiertos de plata. La gente era muy amigable. Cuando llegué a la frontera entre Bolivia y Perú había soldados. Me recomendaron no pasar. Dormí en una casa deshabitada, en un lugar desconocido. Más tarde me avisaron que ya no había soldados, así que crucé la frontera en medio de la noche. Era una persona bastante arriesgada entonces.

Viernes 27. A solas con June.
"Fui a la escuela de la Nueva Bauhaus en Chicago, a los 18 años. Tenía un maestro que venía de Suiza. Y apenas hablaba inglés. Yo era joven y naïve . Tenía un amigo, muy conocido luego como artista pop, que tomó muchas ideas de mí. No voy a decir su nombre. Solíamos salir a caminar y le decía: ´¿Por qué no mirás las vidrieras de los negocios? Es lo más hermoso que tenemos en Estados Unidos . Eso fue a principios de los años 50... Una mujer es una fuente eterna. Es una especie de maquinaria sublime. Le damos esa fuerza a los hombres porque los amamos. En la actualidad, las mujeres piensan que no necesitan de los hombres. En mi juventud pensaba que podía ser como los hombres. ´Puedo pintar como lo hace un hombre , decía. Yo era del Midwest. Cuando vine a Nueva York ya tenía 30 años. Estaba buscando otra cosa. Nunca tuve nada que ver con la beat generation . Y Robert tampoco pertenecía a la beat generation ; ellos eran hombres homosexuales. Tal vez fueron un poco adolescentes en un sentido. Fue un fenómeno tan norteamericano. No estaban pensando en el pasado; tampoco en el futuro. Solo pensaban en el presente, lo que me parece maravilloso."

Viernes 27. Con Robert Frank en su cuarto, la última vez.
En cuanto entro y lo saludo, me alcanza dos libros y me los regala. Lines of My Hand , en edición nueva, y Robert Frank, from New York to Nova Scotia . Está sentado junto a su tablero, mirando una buena cantidad de copias de contacto de las fotos que hizo con su pequeña cámara de plástico en su último viaje, hace un par de semanas. "En el lago de Ginebra, un árbol extraño. Las montañas junto a las que me crié. Cada vez que me detenía en el camino, una foto aquí, otra allá. Amigos. Algunas veces en color. En Zurich, en el subte; me gusta hacer fotos en los subtes todavía. En Madrid, cerca de la Puerta del Sol. Un monumento al barrendero. June posa junto a la estatua. Carteles en las vidrieras de los negocios. Estaba feliz ahí... Sigo haciendo fotos de la misma manera, aunque estas no son como las que hacía hace años. Yo reacciono ante lo que estoy viendo en el momento. No espero mucho más."

Señala un fotograma en el que se ve a una mujer de mediana edad. "Ella es la única familia que me queda. Llegó a casa de mis padres como refugiada cuando tenía seis años. Todos sus parientes habían sido asesinados en Alemania. Ella es casi como mi hermana. Tengo un hermano mayor, pero no nos hablamos."
Robert Frank sigue mirando las copias de contacto desparramadas sobre el tablero. Le pido que me autografíe uno de los libros que me regaló. "Tengo que ir al médico ahora. Ya no firmo mis libros. ¿Tu nombre era Daniel?"

(Robert Frank. Words, En el Museo Fernández Blanco, Suipacha 1422, del 23 de agosto al 21 de octubre.) - Especial agradecimiento a LAN.

Refiere: adncultura.lanacion.com.ar

Robert Frank. Diario de un encuentro

2008-02-08T01:29:00.001+01:00

A finales de julio de este año y durante tres días, tuve la oportunidad de entrevistar a Robert Frank en su estudio de la calle Bleecker en Nueva York. Ahora que han pasado algunas semanas desde aquel encuentro, puedo medir con alguna exactitud cuál fue el impulso que me llevó a intentar esa entrevista a pesar de las evasivas del fotógrafo para concretar ese encuentro.

La mediación desinteresada de Leila Makarius (curadora, junto a Jorge Cometti, de la muestra que se inaugura hoy en el Museo Fernandez Blanco) fue el disparador.

Pero en verdad la energía que me llevó a sentarme junto a él y empezar a conversar una tarde calurosa de verano, vino de un momento casi perdido en mi juventud: la primera vez que tuve en mis manos un ejemplar de The Americans . Yo no era un fotógrafo formado todavía, aunque ya hacía algún trabajo en periodismo aquí y allá como para ganarme la vida. Ese libro casi no tenía palabras. Solo un prólogo de Jack Kerouac que no pude leer por que no entendía inglés. Ochenta y tres imágenes en blanco y negro, de a una por página dispuestas con extrema sencillez. Nunca había visto fotografías como esas. Eran muy desprolijas en su factura, pero la clara disposición temática comenzando cada capítulo con una bandera de los Estados Unidos formaba un conjunto compacto, elocuente: era el retrato despiadado, entre cínico y tierno al mismo tiempo de la sociedad norteamericana de fines de los años cincuenta.

Varias generaciones de fotógrafos han experimentado la misma sensación que yo tuve hace treinta años, y lo siguen haciendo aún hoy. Mientras tanto, Frank ya había dejado de lado la fotografía y comenzaba un largo camino de experimentación visual atravesado varias veces por la tragedia personal (perdió a sus dos hijos, Andrea en 1974 y Pablo en 1994) que lo convertirían en una leyenda viviente. Un artista que no se reconoce como tal y que elude todo encasillamiento, un outsider que hoy, concluye sabiamente que esa vocación marginal se ha transformado, sobre el final de su vida, en un sentimiento de soledad a pesar de ser aclamado en el mundo entero como uno de los grandes maestros de la fotografía del siglo XX.

Mi temprano encuentro con la obra de Frank, se une en un arco a través del tiempo a este otro, con el hombre ya viejo que vi frente a mi, sentado en una butaca destartalada. La mirada triste y esquiva, su proverbial desaliño personal, la compañía de su querida esposa June Leaf, los recuerdos de toda su vida.

En 1948, luego de sus viajes por Europa y America del Sur, Frank hizo un pequeño libro titulado Black, White and Things. Hizo solo tres ejemplares en ese entonces. El único texto, a modo de epígrafe era la famosa frase de El Principito, de Saint Exupery: “Lo esencial es invisible a los ojos”

Estoy sentado frente a mi pantalla escribiendo estas palabras y recordando lo que nunca olvidaré, los tres emotivos encuentros con Robert Frank. Me doy cuenta que ese hombre ha transitado su vida buscando un imposible: hacer visible lo esencial.

Un antiguo dicho budista dice: “Cuando el alumno está listo, el maestro aparece”. El último gran maestro de la fotografía se hace presente en Buenos Aires y nos dejará ver su esencia en estas imágenes que son el relato de su vida.

ROBERT FRANK words - Fotomuseum Winterthur / Fotostiftung Scheweiz -

Estuvo exponiendo su obra entre el 23 de agosto al 21 de octubre de 2007 en el Museo de Arte Hispanoamericano Isaac Fernández Blanco Suipacha 1422

Lothar Baumgarten. autofocus retina

2008-02-07T21:27:00.001+01:00

Primera exposición retrospectiva del artista alemán (Rheinsberg, 1944) en España. Hijo de antropólogo, Baumgarten convivió algunos años con los indígenas de una tribu de la Amazonia venezolana y ha sido uno de los primeros artistas que, desde finales de los años sesenta, introdujo los hechos de la representación de las culturas minoritarias y su ausencia en el abanico de la representación cultural occidental.

Interesado precisamente en la noción del «otro» y su vehiculación en la historia, sus trabajos utilizan objetos, imágenes y la palabra escrita como materiales fundamentales para incitar a una reflexión sobre las condiciones de intercambio y de tránsito con relación a la geografía y la acumulación de la historia.

La exposición hará especial hincapié en el trabajo fotográfico del artista, particularmente a través de series como Carbon (1989) o Montaigne (1985), que constituyen verdaderos ensayos visuales y de síntesis en su trabajo. Desde el proyecto realizado sobre la geografía de Estados Unidos a través de dos líneas ferroviarias que atraviesan el país (en el caso de Carbon) hasta las inscripciones visuales en los paisajes de la Amazonia venezolana (en Montaigne, serie que se podrá ver entera por primera vez), las fotografías de Baumgarten —en blanco y negro— son un testimonio de su interés por la iconografía naturalista y de la noción del artista-antropólogo.

Combinadas con elementos textuales y signos, sus obras se convierten en enciclopedias de paisaje en evolución constante.

La exposición presentará en la Capella del Macba la obra Ecce Homo de 2002. Se incluirán asimismo obras emblemáticas relacionadas con las culturas sudamericanas, así como la instalación específica en la fachada del museo de la obra Imago Mundi (1988), que establece una metáfora entre la universalización de la carta de colores de la fotografía y el espíritu de las colonizaciones del siglo XX.

Comisario: Bartomeu Marí
Producción: Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA)

Nikon D60

2008-02-07T20:57:00.001+01:00

La D60 es una SLR digital de formato DX de alto rendimiento con una resolución de 10,2 megapíxeles. Fácil de utilizar y de manejar, es el modo perfecto para explorar la magia de la fotografía SLR digital.

Se puede confiar en el modo AUTO de la cámara para que se ocupe de las situaciones cotidianas o bien utilizar una de sus distintas opciones para conseguir un control más creativo.

A través de su menú intuitivo, se puede acceder fácilmente a las funciones creativas incorporadas. Para que sea muy cómoda, la presentación de la información gira en función de la orientación de la cámara y dispone de un mecanismo interno de autolimpieza y un sensor localizado en el visor que apaga la pantalla.

Con una puesta en marcha casi instantánea y un cuerpo ligero y pequeño, esta cámara está preparada para acompañarle a todas partes. Con la D60, la fotografía impresionante está a sólo un paso.

Resolución de 10,2 megapíxeles Sensor de imagen de formato DX para conseguir imágenes extraordinariamente vívidas y con una alta resolución detallada que admiten perfectamente las ampliaciones.
Concepto de procesamiento de imágenes EXPEED para obtener un rendimiento óptimo y una calidad de imagen máxima.
Innovador sistema de reducción del polvo: los sistemas de limpieza del sensor de imagen y de control de circulación de aire mantienen el polvo lejos de los sensores de imagen de la cámara para obtener unas imágenes nítidas y sin motas.
Rango de sensibilidades amplio de ISO 100 a 1600 que permite velocidades de obturación más rápidas y reduce de forma importante el riesgo de que las imágenes salgan movidas al tomar sujetos en rápido movimiento o hacer fotografías con poca luz.
Pequeña, ligera y cómoda: sólo pesa 495 g y presenta unos controles intuitivos y una empuñadura cómoda.
Amplia y luminosa pantalla LCD de 2,5 pulgadas que permite comprobar fácilmente la información fundamental de la cámara y que hace que la revisión y edición de las fotografías sea un placer.
Respuesta rápida: puesta en marcha casi instantánea de 0,19 seg. y mínimo retardo del obturador para que pueda disparar siguiendo sus impulsos.
Disparo continuo a 3 fps que permite tomar hasta 100 imágenes JPEG (FINE, tamaño G o menor) a 3 fotogramas por segundo aproximadamente y capturar la acción que se desarrolla rápidamente.
Visor claro y luminoso con ampliación de 0,8 aumentos que permite obtener una composición precisa.
Sensor de movimiento ocular que desactiva automáticamente la presentación de información en la pantalla LCD cuando se mira a través del visor, ahorrando energía y evitando distracciones durante el disparo.
Nítido autofoco de 3 zonas que permite enfocar rápidamente y con precisión en cualquier lugar, incluso después del anochecer.
D-Lighting activo que mantiene los detalles de las altas luces y las sombras para conseguir imágenes fabulosas con un contraste natural.
Selección de formatos de presentación de la información: elija entre una gama de formatos de presentación, entre los que se incluyen el formato Gráfico, que presenta la información mediante iconos visuales, y Fondo de pantalla, que utiliza una de sus propias imágenes para el fondo.
Presentación de la información cuando la pantalla LCD está en vertical: al disparar, la presentación de la información se gira automáticamente para seguir la orientación de la cámara. La información de la cámara se muestra correctamente al tomar fotografías tanto en formato horizontal como vertical.
8 Vari-Program Digitales que optimizan automáticamente los ajustes de la cámara para producir resultados soberbios en cualquier situación.
Amplio menú Retoque que permite elegir entre 10 fabulosos efectos fotográficos, incluidos Procesa. de NEF (RAW) y Película de animación. La imagen original queda intacta y la D60 crea rápida y sencillamente un duplicado que se puede editar y mejorar en la propia cámara.
Procesa. de NEF (RAW) integrado: disfrute de la libertad creativa y el control de los ajustes de la cámara después de disparar. Ajuste la calidad de imagen, el tamaño de imagen, el balance de blancos e incluso la compensación de la exposición mediante el menú de fácil navegación.
Película de animación: crea películas animadas a partir de una serie de imágenes consecutivas. Sólo hay que seleccionar el primer y último fotograma de la secuencia y guardarlos como una película corta que se puede reproducir en la pantalla LCD de la cámara o en un ordenador (formato AVI).
Medición matricial en color 3D II de Nikon para conseguir la exposición ideal en prácticamente todas las condiciones de iluminación.
Compatible con los mundialmente famosos objetivos NIKKOR de alta calidad y optimizada para el uso de objetivos NIKKOR AF-S y AF-I.
Batería recargable de ion de litio: con una sola carga permite realizar al menos 500 tomas en el modo de disparo fotograma a fotograma (estándares CIPA, utilizando el flash integrado en el 50 % de las tomas).

Refiere: europe-nikon.com

Henri Cartier-Bresson exposición en Girona

2008-02-07T20:50:00.001+01:00

Para Henri Cartier-Bresson, fotografiar es «poner la cabeza, el ojo y el corazón en el mismo punto de mira» y, en una fracción de segundo, captar la belleza de la forma y la emoción que el tema desprende.

Así consiguió captar imágenes como las que veremos en esta exposición, una retrospectiva de su trabajo a lo largo de los años trenta, cuarenta, cincuenta y sesenta del siglo XX.

Se trata de un viaje por sus viajes, un recorrido por su manera de mirar y emocionarse ante la imperfecta belleza del mundo. Observaremos su trayectoria, tan extensa que podríamos considerar su trabajo como un reportaje ininterrumpido del siglo XX, un documento visual de la realidad, supeditado a su extraordinaria mirada artística.

Horario
De lunes a sábado, de 10.00 a 14.00 y de 17.00 a 20.00 h
Domingos y festivos, de 11.00 a 14.00 h

Precio
Actividad gratuita

Más información: Obra Social La Caixa

Retrospectiva de Bill Brandt en Houston

2008-02-07T20:47:00.001+01:00

Retrospectiva de Bill Brandt en Houston

El Museum of Fine Arts de Houston inauguró una retrospectiva del fotógrafo Bill Brandt bajo el lema Photographs by Bill Brandt: A Sense of Wonder, una exposición que reúne las instantáneas más representativas de su trayectoria con la cámara.

Bill Brandt, el fotógrafo que se caracterizó por los desnudos, nos acerca un poco más en esta muestra a la amplitud de su talento como lo muestra el retrato social de las consecuencias de la Segunda Guerra Mundial.

Brandt decía que el fotógrafo se distinguía del resto por su capacidad de mirar con intensidad para poder descubrir en lo aparentemente normal un inusitado detalle que trascendiera de lo común y, de este modo, dárselo a conocer al resto y finalmente su obra logra plasmar con una técnica exquisita la amplitud de esta belleza.

Photographs by Bill Brandt: A Sense of Wonder
hasta el 27 de abril
Museum of Fine Arts
1001 Bissonnet Street
Houston, Estados Unidos

Chaplin en imágenes

2008-02-07T20:41:00.001+01:00

La obra social de la Caixa dedica una exposición a la obra de Chaplin

Organizada por la Fundació la Caixa y NBC Photographie de Paris, Chaplin en imágenes supone la primera gran exposición dedicada al actor y director Charlie Chaplin que se lleva a cabo en nuestro país.
La exposición reúne alrededor de 250 documentos, principalmente fotografías, pósters, material documental y extractos de películas, algunos de los cuales son inéditos. A través de imágenes, la muestra narra la historia de Charlie Chaplin desde la creación del personaje de Charlot hasta el final de su carrera.

Chaplin en imágenes nos ayudará a entender la conformación de la personalidad de Charlot, su transformación, su particular expresión corporal y sus inconfundibles complementos (bastón, chaleco, bigote, zapatos y bombín), que acabaron por representar por sí mismos la esencia del personaje. Chaplin fue uno de los primeros artistas en lograr un gran éxito mediático, su cercanía al público le convirtió en un personaje muy querido y en icono del siglo XX. La magnitud de su fama fue tal, que para sorpresa del propio Chaplin los grandes almacenes de Nueva York se llenaron de juguetes y figuritas que representaban su imagen.

Paralelamente a su faceta como actor, Chaplin fue también aclamado como cineasta. La preocupación de Chaplin por conseguir la perfección en su obra se evidencia en los documentos que muestran los pasos de la elaboración de una escena y ponen de manifiesto la mecánica de un gag o la coreografía de un movimiento.

En el momento álgido de su carrera, Chaplin optó por el compromiso, y a partir de los años treinta sus películas incluyeron regularmente elementos de crítica social. Su posicionamiento político provocó un lento distanciamiento del público de masas. Con la llegada del cine sonoro, en el año 1940, Charlot habló en el que fue su último papel. Y el discurso reprimido durante tanto tiempo se dirigió a toda la humanidad, en forma de mensaje de esperanza y de paz.
Chaplin es, sin duda, uno de los primeros artistas mediáticos de la gran pantalla. En esta exposición asistimos al nacimiento de una estrella, paseamos por su vida y miramos con nostalgia el final de su carrera.

Chaplin en imágenes
Hasta el 27 de abril
CaixaFòrum Barcelona
Marqués de Comillas 6-8
Barcelona

Refiere: nikonistas.com

Canon EOS 40D

2008-02-07T20:34:00.001+01:00

Benefíciese de la potencia y la versatilidad de una herramienta extraordinariamente desarrollada y destinada a los fotógrafos más exigentes. Dé un paso hasta llegar al reto de los 6,5 fps, 10,1 megapíxeles y otra serie de características diseñadas para ayudarle a sacar el máximo partido de su experiencia fotográfica.

Sensor CMOS APS-C de 10,1 megapíxeles
6,5 fps, series de 75 imágenes JPEG
Sistema AF de área amplia de gran precisión
LCD de 3,0" (7,6 cm) con Modo de Imágenes en directo (“Live View Mode”)
Procesador DIGIC III
Sistema integrado de limpieza EOS
Estilo de imagen (Picture style)
Cuerpo de aleación de magnesio
Compatible con todos los objetivos EF/EF-S y flashes Speedlite EX

Sensor CMOS sensor con 10,1 megapíxeles
El sensor CMOS de Canon proporciona a la cámara una gama tonal amplia, así como la posibilidad de captar detalles sutiles en las sombras y en las luces altas. Para garantizar unas imágenes nítidas y claras se ha mejorado el diseño de los píxeles y la reducción del ruido en el chip, a lo largo de toda la gama ISO. Las imágenes se convierten a 14 bits para conseguir gradaciones más finas y una reproducción del color excelente.
Disparos a 6,5 fps
La cámara EOS 40D permite captar hasta 6,5 fotogramas por segundo en series de hasta 75 imágenes JPEG grandes (17 en RAW).
AF de área amplia con 9 sensores tipo cruz
El sistema AF de alta precisión cuenta con 9 puntos tipo cruz para realizar un enfoque preciso tanto en el plano horizontal como en el vertical. El punto AF central es sensible hasta la abertura f/2,8. Los sensores están repartidos a lo largo y ancho del recuadro AF para reaccionar mejor a los sujetos no situados en el centro.
LCD de 3,0" (7,6 cm) con Modo de Imágenes en directo (“Live View Mode”)
La luminosa pantalla de 3,0" (7,6 cm) dispone de una definición súper nítida para comprobar el enfoque y la composición, con un aumento 10x para los detalles más finos. Al disparar en posiciones poco habituales, el modo de visualización en directo le ofrece la opción de encuadrar la imagen desde la pantalla LCD.
Procesador DIGIC III
El DIGIC III, rápido y muy preciso, procesa las imágenes a 14 bits para conseguir unas gradaciones de color más precisas. El DIGIC III minimiza el consumo de energía ampliando así la duración de la baterías y permitiendo un tiempo de arranque de tan sólo 0,15 segundos.
Sistema integrado de limpieza EOS
El sistema integrado de prevención de polvo y limpieza mantiene el sensor limpio. La combinación de tecnologías reduce, repele y elimina la formación de polvo e incluye una unidad del sensor autolimpiable que sacude el polvo del sensor cada vez que se enciende la cámara.
Estilo de imagen (Picture style)
Los ajustes previos del estilo de imagen proporcionan un control sencillo sobre los parámetros de procesamiento de las imágenes. Cada estilo ofrece una respuesta de color diferente. Los preajustes de Estilo de imagen se pueden personalizar en la cámara o mediante el software Picture Style Editor suministrado.
Cuerpo de aleación de magnesio
La cámara está protegida para soportar un uso muy intenso por un cuerpo duradero de aleación de magnesio, con protección contra los agentes atmosféricos externos.
Objetivos EF y accesorios
La cámara EOS 40D es compatible con más de 60 objetivos EF y EF-S, así como con todos los flashes Speedlite serie EX. Se puede disparar a distancia sin cables y hacer transferencias a distancia mediante el Transmisor de Archivos Inalámbrico WFT-E3.
Conectividad
La salida de vídeo permite revisar las imágenes en una pantalla de televisión. Para una transferencia de datos más rápida dispone de una conexión USB 2.0 de alta velocidad.

Refiere: Canon.es

Henri Cartier-Bresson, su libro “El momento decisivo”online

2008-02-07T20:11:00.001+01:00

Nos hacemos eco de una información publicada por el amigo THuRStoN en nuestro foro de charlas, sobre la disponibilidad vía web de acceder a ver su libro “El momento decisivo”. (Debajo el enlace).

Para quienes desconozcan la vida y obra de este referente de la fotografía, os pongo a continuación la información recopilada sobre Henri Cartier-Bresson en la Wikipedia (literal) :

“Henri Cartier-Bresson (22 de agosto 1908 - 2 de agosto 2004) fue un célebre fotógrafo francés considerado por muchos el padre del foto reportaje. Predicó siempre con la idea de atrapar el instante decisivo, versión traducida de sus “images a la sauvette”, que vienen a significar con más precisión “imágenes a hurtadillas”. Se trataba, pues, de poner la cabeza, el ojo y el corazón en el mismo momento en el que se desarrolla el clímax de una acción.”

“Nació en Chanteloup-les-vignes, a las afueras de París, el 22 de agosto de 1908. A los 22 años decidió probar suerte en Costa de Marfil, fue ahí donde tomó sus primeras fotografías. De regreso a Francia, adquirió una cámara Leica, la cual quedaría asociada con su persona. Tras coquetear con el surrealismo y colaborar con cineastas como Jean Renoir y Jean Becker decidió fundar la agencia fotográfica Magnum con Robert Capa, David Seymour y George Rodger.”

“A lo largo de su carrera, tuvo la oportunidad de retratar a personajes de la talla de Pablo Picasso, Henri Matisse, Marie Curie, Edith Piaf, Fidel Castro y Ernesto Guevara. También cubrió importantes eventos, como la muerte de Gandhi, la Guerra Civil Española o la entrada triunfal de Mao Zedong a Pekín. Cartier-Bresson fue el primer periodista occidental que pudo visitar la Unión Soviética tras la muerte de José Stalin.”

Acceso a su libro vía web “El momento decisivo“.

Refiere: Carborian

Pipo Fernández, fotógrafo oficial de los Premios Goya

2008-02-07T19:46:00.001+01:00

"La mirada cómplice" de Pipo Fernández se expone tras la entrega de los Goya

Habiendo cubierto el total de las 22 ediciones celebradas, Pipo Fernández puede presumir de ser el fotógrafo oficial de la gala de entrega de los Premios Goya. Moviéndose por entre los múltiples ángulos del espectáculo, ha retratado con una "mirada cómplice" la diversidad de emociones que en él confluyen. Un completo catálogo de vivencias que ahora expone la Academia de Cine.

Madrid. Eduardo Parra.- Una sala de la propia sede de la Academia en la madrileña calle Zurbano acoge desde ayer y hasta el 14 de marzo la muestra fotográfica de Pipo Fernández sobre la ceremonia de entrega de los Premios Goya. Cientos de instantáneas combinadas en diferentes montajes recogen en un total de 40 cuadros un amplio registro de vivencias de los grandes protagonistas del cine.

Abrazos entre bambalinas, lágrimas en el escenario, besos al aire y mucho glamour se entremezclan gracias al trabajo de quien está considerado como uno de los más reputados "foto-fija" de España.

Pipo Fernández ha seguido muy de cerca las 22 ediciones de los Premios Goya.

Fernández ha trabajado en películas como "Camarón", "Mortadelo y Filemón", "Libertarias" o "La Pasión turca", y es el encargado de inmortalizar -en película primero y en píxeles después- la ceremonia de los Goya desde sus comienzos hasta hoy.

Glamour, escotes y buen cine

Penélope Cruz junto a Elsa Pataky se mezclan con Marisa Paredes y Ángeles González Sinde. "La selección de las fotos -comentaba Fernández a QUESABESDE.COM este martes durante la inauguración de la muestra- ha sido cosa mía, basándome en mi gusto personal."

Al pre guntarle acerca del contraste entre el glamour de las actrices y el encorsetamiento de académicos no muy fotogénicos, se defiende: "¿Cómo no voy a poner alguna foto de ellos?"

El ayer analógico y en blanco y negro frente al hoy digital y a todo color. Si algo se saca en claro de la exposición es que el tiempo pasa para todos igual, y que el glamour de una noche es tan efímero como la fotografía que lo inmortaliza.

22 ediciones fotografiadas, "y las que quedan por delante", le sugerimos. Pipo nos mira y exhala un suspiro mientras contempla la exposición: "Lo que es seguro es que yo no me meto en este marrón otra vez."

Refiere: quesabesde.com

RolleiFlex MiniDigi, la RolleiFlex 2.8F digital

2008-02-07T12:13:00.000+01:00

Seguro que lo has visto en alguna tienda: una radio digital que parece antigua... el teclado de un ordenador que parece de una máquina de escribir. La gente más adicta a las innovaciones tecnológicas parece tener también un especial interés en que lo más moderno recuerde a lo antiguo.

Ahora, Rollei ha sacado una versión digital de una cámara antigua que es todo un mito, la RolleiFlex 2.8F, la favorita de los fotógrafos en 1929, con sus lentes duales y visor superior.

La versión digital es mucho más pequeña que la original (cabe en la palma de la mano), y cuenta con un sensor de 3.1 Megapíxeles. La parte retro se ve reflejada en la forma de la cámara, en que cuenta con un visor superior, y en que conserva la manivela lateral que sirve para preparar la cámara para la siguiente foto.

Si eres un enamorado de las cámaras antiguas y quieres sorprender a familiares y amigos con esta rareza, puedes conseguir una de las 1500 (edición limitada) que se han construido por un precio que ronda los 375 dólares.

Más información aquí

Refiere gadgetoblog.blogs.terra.es

Alexandr Rodchenko, el artista bolchevique que revolucionó la fotografía

2008-02-07T11:29:00.000+01:00

Padre del constructivismo ruso y figura clave de la vanguardia artística del siglo XX, Alexandr Rodchenko protagoniza una exposición en Londres que muestra las obras con las que revolucionó el diseño gráfico y la fotografía.

Con 120 fotos y fotomontajes, la exhibición de la Hayward Gallery, que se abre mañana y se podrá ver hasta el 27 de abril, recorre más de dos décadas de la vida y obra del prolífico artista, desde su compromiso con la Revolución Rusa (1917) hasta su desengaño bajo el estalinismo.

A principios de los años 20, Rodchenko (1891-1956), hasta entonces pintor y escultor, rechazó el 'arte puro' por un lenguaje visual que sirviera mejor a la sociedad postrevolucionaria, con el que pudiera 'enseñar a la gente a mirar desde otro punto de vista'.

Con el lema 'Basta de representar, tenemos que construir', fundó, junto con otros colegas, el constructivismo, en el que los creadores dejaban de ser artistas para convertirse en meros obreros encargados de acercar el arte a la vida cotidiana de las masas.

Del collage con fotos de revistas y periódicos, entre los que destacan los que realizó para el libro de poemas 'Sobre esto' (1923), de su amigo e intelectual de la revolución Vladimir Mayakovsky, pasó a la fotografía y el fotomontaje, con los que creó obras icónicas de influencia mundial.

Uno de sus trabajos más reproducidos en publicidad y diseño gráfico es 'Books', un cartel que compuso para la editorial Gosizdat en el que aparece Lili Brik, amante de Mayakovski, gritando 'libros' con la mano junto a la boca en forma de altavoz.

Esa imagen, símbolo de la cultura revolucionaria, aparece por ejemplo, a años luz de su contexto político, en la cubierta del segundo álbum del grupo británico Franz Ferdinand, que se asocia así con un aura abstracta de rebeldía.

En fotografía, Rodchenko lo fotografió todo, desde edificios o cadenas de montaje industriales hasta las actividades de los jóvenes pioneros (los 'Boy Scouts' revolucionarios), con objetivos y ángulos inéditos en la época, como dinámicas diagonales o picados y contrapicados.

'Congregándose para una manifestación' (1928), tomada desde lo alto de un edificio, sorprende aún por lo moderno del punto de vista, que en la época fue toda una revelación.

'La chica con la Leica' (1934) o 'Escaleras' (1929) son también imágenes clave para la historia de la fotografía, e incluso sus trabajos posteriores de desfiles y actividades deportivas de la época estalinista son ejemplos de su maestría con la cámara.

Con la muerte de Lenin en 1924 y el ascenso de Stalin, la suerte de Rodchenko, hasta entonces líder cultural del comunismo, empezó a cambiar.

En 1931 fue expulsado del círculo de artistas Octubre entre acusaciones de 'formalismo' de sus colegas, más adaptados a las nuevas directrices del régimen estalinista, que, como dijo a EFE la comisaría de la exposición londinense, Olga Sviblova, buscaba ahora menos innovación y más estabilidad.

El dinamismo, osadía y mensaje utópico de la fotografía de Rodchenko comenzó a desentonar con el realismo social promovido por el Gobierno de la Unión Soviética, y el fotógrafo, que en esa época no podía trabajar por su cuenta, progresivamente dejó de recibir encargos.

La marginación por parte del régimen -para el que, sin embargo, produjo obras excelentes- coincidió con su desilusión por el rumbo que había tomado la revolución que él había ayudado a construir, y al final de su carrera llegó a plantearse que tal vez arte y política debían separarse.

'El arte está al servicio del pueblo, pero el pueblo está siendo guiado quién sabe adónde. Quiero llevar a la gente hasta el arte, no utilizar el arte para llevarlos a otra parte', escribe en su diario, y se pregunta: '¿Es que nací demasiado pronto o demasiado tarde?'.

Refiere: - Terra Acturalidada EFE